Uma Karuna Thurman (Boston, 29 de abril de 1970), más conocida como Uma Thurman, es una actriz de cine y exmodelo estadounidense nominada al Óscar y ganadora del Globo de Oro. Comenzó como modelo profesional y acabó dedicándose al cine en 1988, donde ha trabajado tanto en producciones de bajo presupuesto como en superproducciones de grandes estudios. Se la ha podido ver en dramas, películas de ciencia ficción, de acción, de suspense y también en comedias románticas. Entre sus películas más conocidas están Amistades peligrosas (1988) o Gattaca (1997). Aunque sin duda es mundialmente conocida por sus trabajos en Pulp Fiction (1994) y Kill Bill (2003-2004), ambas dirigidas por Quentin Tarantino.  

Primeros años y educación

Hija del profesor budista de la Universidad de Columbia, Robert Thurman, y de Nena von Schlebrügge (exmodelo nacida en México, de padre alemán y madre sueca-danesa). Uma es medio hermana (paterna) de Taya y hermana de Ganden, Dechen Karl^[1]​ y Mipam. Su nombre procede de uma chenpo, o lo que es lo mismo, "el gran camino del centro": mahā-madhyamaka. A su vez, en sánscrito, umā karuṇa significa "la misericordia de [la diosa] Úma", la diosa hindú de la luz y la belleza, además de la consorte de Shivá.^{[cita requerida]} De pequeña, junto a su familia, pasó largas temporadas en la India y recibieron visitas ocasionales del propio Dalái Lama.^[2]​ Durante su niñez, su familia se mudó constantemente, debido a que su padre enseñaba en diferentes universidades. Creció principalmente en Amherst (Massachusetts) y Woodstock (Nueva York). Fue una joven desmañada e introvertida que era frecuentemente molestada por su elevada estatura, su nombre raro (a veces usaba el nombre Uma Karen en lugar del verdadero Uma Karuna), y la talla de sus pies. A los 10 años, una amiga de su madre sugirió hacerle una rinoplastia, sugerencia que la mortificó durante años. Fue sin duda uno de los muchos incidentes que la llevaron a sufrir dismorfobia, un desorden mental que implica una imagen distorsionada del cuerpo, condición que ella discutió en una entrevista con la revista Talk en 2001.^{[cita requerida][3]}​^{[cita requerida]} Asistió al Northfield Mount Hermon, un colegio de internado en Massachusetts, y tuvo sus primeras experiencias en actuación en obras escolares. No era hábil en los deportes y sus calificaciones eran sólo regulares, pero destacó en actuación desde muy joven. Después de aparecer en una representación de The Crucible (El crisol) fue llamada por cazatalentos que la convencieron de actuar profesionalmente. Dejó la escuela para buscar una carrera en actuación en Nueva York y para asistir a la Professional Children's School, la cual abandonó antes de graduarse.^[2]​ Es prima del futbolista sueco Max von Schlebrügge.

Carrera profesional

Primeros trabajos, 1987–1989

Su debut cinematográfico fue en Johnny Be Good (1987) y en Kiss Daddy Goodnight (1987), ambas con éxito marginal. Su siguiente película fue Las aventuras del barón Munchausen (1988), dirigida por Terry Gilliam y que si bien ahora es casi un filme de culto, en su momento fue un fracaso comercial: costó 46 millones de dólares y se recaudaron únicamente 8.^[4]​ Poco después de este estreno, revistas y otros medios comenzaron a entrevistarla y las productoras de cine le ofrecieron nuevos papeles. Recibió también elogios de sus colegas en la película por su profesionalidad. John Malkovich, por ejemplo, dijo: «En ella no hay nada de adolescente nerviosa, no he conocido a nadie que fuera como ella a esa edad. Su inteligencia y compostura destacan. Pero hay algo más. Tiene algo más que es muy fascinante».^[5]​

Consolidación y fracasos, 1990–1993

En 1990 protagonizó el drama sexualmente provocativo Henry y June junto a Fred Ward. Fue la primera película por la que recibió una calificación de mayores de 17 años en los Estados Unidos, por lo que no se distribuyó ampliamente. A pesar de ello, The New York Times dijo que «Thurman, como June —la chica con acento de Brooklyn—, toma un personaje grandioso y lo hace todavía más grande, aunque su actuación es frecuentemente tan peculiar como dominante».^[6]​ En 1993, Gus Van Sant la eligió para protagonizar el fracaso Ellas también se deprimen. Por ello, Uma fue nominada como Peor actriz del año en los premios Razzies. El Washington Post describió su actuación como superficial: «La extrañamente pasiva personificación de Thurman no va mucho más allá de arrastrar y flexionar sus pulgares artificiales».^[7]​ Ese mismo año protagonizó la comedia La chica del gángster junto a Robert De Niro y se convirtió en otro fracaso. También realizó una prueba para una película de Stanley Kubrick, Wartime Lies, que nunca se llevó a cabo. A pesar de ello, Thurman calificó el encuentro cómo «una experiencia verdaderamente mala».^[8]​

1994–1998

Por aquella época, realizó una prueba para la que sería la nueva película de Quentin Tarantino. Inicialmente, el director no quedó muy convencido —había visto La chica del gángster y no le gustó mucho la actuación—, pero después de cenar con ella todo cambió. «Uma y yo estábamos haciendo una escena. Estábamos viviendo la película, ¿de acuerdo? Y me quedé pensando: «¡Dios, ella podría ser Mia!».^[8]​ Pulp Fiction se convirtió en una de las películas más taquilleras y de culto de todos los tiempos,^{[cita requerida]} recaudando más de 107 millones de dólares y con un coste inicial de 8 millones.^[9]​ El Washington Post escribió «serenamente irreconocible con una peluca negra, [y] está maravillosa como una desenfadada esposa de gánster».^[10]​ Fue candidata al Oscar a la mejor actriz de reparto al año siguiente. La revista Entertainment Weekly afirmó que “de las cinco mujeres candidatas en categoría de actriz de reparto este año, sólo [Thurman] puede proclamar que su actuación le dio ataques a la audiencia”.^[11]​ Se convirtió en la actriz favorita de Tarantino, quien afirmó en un número de 2003 de la revista Time: “Thurman está a la par con Garbo y Dietrich en el terreno de las diosas”.^[12]​ Películas de diversa calidad y éxito siguieron a Pulp Fiction. Protagonizó con Janeane Garofalo la medianamente taquillera comedia romántica La verdad sobre perros y gatos (The Truth About Cats & Dogs) actuando como una rubia y boba supermodelo. En 1998 protagonizó, con el que sería luego su esposo Ethan Hawke, la película de ciencia ficción Gattaca. Aunque Gattaca no fue un gran éxito de taquilla, recibió muchas críticas positivas y consiguió gran recaudación en el mercado del vídeo.^[13]​ Algunos críticos no quedaron muy impresionados, como Los Angeles Times, que opinó que ella estuvo “tan emocionalmente ausente como siempre”.^[14]​ Los dos grandes fracasos de su carrera llegaron en 1997 y 1998. Primero interpretó a la villana Hiedra Venenosa (Poison Ivy) en Batman y Robin, la cuarta película de la popular saga. Batman y Robin resultó un gran fracaso de taquilla y se convirtió en uno de los candidatos perennes a las listas de los peores filmes de todos los tiempos.^{[cita requerida]} Su actuación recibió críticas variadas, favorables y adversas, y algún crítico la comparó a Mae West. The New York Times escribió: “como Mae West, mezcla auténtica femineidad con el pícaro afeminamiento de un travesti”.^[15]​ Una comparación similar fue hecha por Houston Chronicle: “Thurman, para llegar a mujer fatal de los años 40 parece a veces interpretar a Mae West vía Jessica Rabbit”.^[16]​ Su segundo revés fue al año siguiente en Los vengadores, otro gran fracaso de público y crítica, considerado uno de los peores filmes de la historia del cine.^{[cita requerida]} CNN la describió como: “tan distanciada que uno siente como si la estuviera viendo a través del lado equivocado del telescopio”.^[17]​ Recibió candidaturas al Razzie por ambos filmes. A pesar de estos fracasos, cerró el año 1998 perfectamente con el poderoso relato Los miserables (Les Misérables), una adaptación del clásico libro de Victor Hugo, dirigida por Bille August, en el cual interpretó el papel de Fantine, logrando una destacada actuación y recibiendo críticas favorables de nueva cuenta, incluso muchos pensaron que su carrera nuevamente iba en ascenso.^{[cita requerida]}

Paréntesis, 1998–2002

Después del nacimiento de su primer hijo en 1998, tomó un descanso de papeles principales para concentrarse en la maternidad. Sus siguientes trabajos fueron en películas de bajo presupuesto de cine y televisión incluyendo Acordes y desacuerdos (Sweet and Lowdown), Tape (La cinta), Vatel y Ciegas de amor (Hysterical Blindness). Ganó un Globo de Oro por esta última, un telefilme en el que también trabajó como productora ejecutiva. En esta película interpreta a una mujer emocionalmente inestable en el Nueva Jersey de los años 1980, que busca el amor en un lugar equivocado. El San Francisco Chronicle comentó: “Thurman se compromete tanto con el papel, con ojos flameantes y los brazos en jarra, que uno empieza a creer que una criatura como esa puede existir: una mujer de apariencia exquisita tan torpe y necesitada que repele a los tipos comunes y corrientes. Thurman ha sometido el papel a su voluntad”.^[18]​

2003–actualidad

Después de cinco años alejada de papeles principales, reapareció el 7 de enero de 2003 en el filme de John Woo Paycheck, y en su nueva colaboración con Quentin Tarantino, Kill Bill. Paycheck fue discreta con los críticos y la taquilla, pero Kill Bill relanzaría su carrera. En Kill Bill interpretó a una eficiente asesina profesional en búsqueda de venganza contra su ex amante. El rol le fue ofrecido por Tarantino —que lo había escrito especialmente para ella— el día de su 30 cumpleaños. Tarantino también ha dicho que ella fue su musa mientras escribía el guion, compartiendo formalmente el crédito por el personaje de Beatrix Kiddo, el cual fue concebido por ambos en el set de Pulp Fiction a partir de la sola imagen de una novia cubierta de sangre. La producción fue postergada varios meses debido a que quedó encinta. Se consideró darle el papel a otra actriz, pero Tarantino decidió demorar la producción.^[19]​ La filmación tomó nueve meses y fue hecha en cinco países diferentes. Este papel fue el más exigente para ella hasta ese momento, ya que pasó tres meses aprendiendo artes marciales, manejo de la espada e idioma japonés.^[20]​ Esta película épica, presentada en dos partes, fue un éxito de taquilla y logró buenas calificaciones con los críticos. Le significó candidaturas al Globo de Oro por ambas películas, y tres MTV Movie Award uno por mejor actuación femenina y dos por la mejor pelea. Rolling Stone la comparó con: “un ángel vengador salido de un melodrama de Hollywood de los años cuarenta”.^[21]​ La principal inspiración para realizar el rol de la novia fueron varias heroínas de acción de películas de segunda categoría. Las más notables fueron el personaje principal de Coffy (interpretado por Pam Grier) y el personaje de Gloria Swenson en Gloria (protagonizado por Gena Rowlands). Dijo que estos dos personajes son: “las dos únicas mujeres que he visto ser verdaderamente mujeres [mientras] esgrimen un arma”.^[22]​ Coffy le fue proyectada por Tarantino antes de empezar la producción del filme, para ayudarla a modelar el personaje.^[19]​ Para 2005, se había convertido en una de las actrices mejor pagadas de Hollywood ganando un salario de 12,5 millones de dólares por película.^[23]​ Su primera película del año fue Be Cool, continuación de la película de 1995 Get Shorty (El Nombre del Juego), en la cual se reunió de nuevo con su compañero de reparto en Pulp Fiction John Travolta. En ella, interpreta a la viuda de un fallecido ejecutivo de la industria de la música. Más tarde, ese mismo año, protagonizó el filme Secretos compartidos (Prime) con Meryl Streep, interpretando a una mujer cercana a los cuarenta años, que enamora a un joven de 20 años. Su último filme ese año fue la nueva versión de Los productores (The Producers) en el que interpreta a Ulla, una actriz sueca esperanzada en conseguir un papel en un musical de Broadway. Originalmente, los productores del filme planeaban usar una doble de voz para las canciones en los números musicales en que ella intervenía, pero insistió en usar su propia voz.^[24]​ Sin embargo no se confirmó si efectivamente ella interpretó todas sus canciones, aunque así se indica en los créditos del filme. Con una exitosa carrera en el cine, volvió a convertirse en una solicitada modelo. La compañía de cosméticos Lancôme la escogió como la imagen de sus productos. En 2005, fue contratada para una función similar por la casa de modas francesa Louis Vuitton. El 7 de febrero de 2006, recibió la condecoración de Caballero de la Orden de las Artes y Letras de Francia, que se otorga en reconocimiento a logros en los campos del arte y la literatura. Ese mismo año estrenó la comedia Mi súper ex novia, por la que cobró la cifra de 14 millones de dólares.^[25]​ Sus próximos proyectos serán The Life Before Her Eyes de Vadim Parelman, un drama en el cual Thurman interpreta a una mujer madura tratando de superar un trauma de adolescente. También la veremos en la comedia romántica The Accidental Husband, en la cinta para televisión My Zinc Bed en donde interpretará a una adicta a la cocaína. Participara en la adaptación de Eoise In Paris en el papel de Nanny. Se confirmó su participación el film Motherhood, al lado de Minnie Diver, haciendo de una madre que vence los obstáculos para festejar los seis años de su hija. Ha tenido una aparición especial en la serie de televisión musical Smash como una veterana actriz de televisión que hace su debut en Teatro. Posiblemente la veamos en las dos secuelas prometidas de Kill Bill, en un drama al lado de Nicole Kidman, Heartswap, y en otro drama épico con Johnny Depp, Daniel Day-Lewis y John Malkovich titulado Man's Fate.

Vida privada

Relaciones y familia

Mientras vivía en Londres, para evitar el alboroto causado por Las amistades peligrosas, empezó a salir con el director Phil Joanou, quien acababa de producir el aclamado filme documental Rattle and Hum del grupo U2. Mientras visitaba a Joanou en el set de su película, State Of Grace, conoció al actor británico Gary Oldman. Los dos congeniaron enseguida. Incluso Joanou dijo después que era obvio que Oldman y Thurman estaban hechos el uno para el otro, de manera que se hizo a un lado. La pareja se casó en 1990, pero el matrimonio sólo duró dos años; según se informó, afectado por el poco tiempo que pasaban juntos a causa de sus apretadas agendas como actores. El 1 de mayo de 1998, se casó con el actor Ethan Hawke, después de haberlo conocido en el set de Gattaca. Antes del compromiso, él le había propuesto matrimonio dos veces sin ser aceptado. Ella reconoció que apuraron su matrimonio debido a que había quedado embarazada. En el momento de la boda llevaba siete meses de gestación.^[26]​ Tuvieron dos hijos: una niña, Maya Ray (n. 8 de julio de 1998) y un niño, Levon Roan (n. 15 de enero de 2002). Hawke le dedicó su novela For Karuna. En 2003 se separaron y en 2004 se divorciaron. Muchos medios de comunicación informaron que la causa del divorcio fue la infidelidad de Ethan Hawke con la modelo canadiense Jen Perzow, después de sospechar que ella lo engañaba con Tarantino. Hawke negó que la causa del divorcio fuera la infidelidad y dijo que el motivo era sus apretados horarios de trabajo.^[27]​ En un reportaje de portada el 2004 en Rolling Stone tanto Thurman como Tarantino negaron haber tenido jamás una relación romántica, aunque Tarantino había declarado una vez a un reportero: “No estoy diciendo que la hemos tenido y no estoy diciendo que no la hemos tenido”.^[8]​ Cuando en el El show de Oprah Winfrey le preguntaron si hubo “una traición de algún tipo” durante el matrimonio, ella dijo: “Hubo algo de eso al final. Estábamos pasando por momentos difíciles y tú sabes cómo son las cosas y cómo la gente se comporta y cómo expresa su infelicidad.”^[28]​ Reside actualmente en Hyde Park (barrio de la ciudad de Nueva York). En 2004 empezó a salir con el hotelero neoyorquino André Balazs. Convivieron en un apartamento en el vecindario del SoHo, en Manhattan, cerca del Mercer Hotel, propiedad de Balazs. En marzo de 2006, su encargado de relaciones públicas anunció que la pareja se había separado.^[29]​ Thurman estuvo comprometida con el financiero Arpad Busson desde 2011. Tienen una hija llamada Rosalind Arusha Arkadina Altalune Florence Thurman-Busson, apodada Luna (nacida el 15 de julio de 2012),^[30]​ pero al final no llegaron a casarse y se separaron en 2014.^[31]​

Política y opiniones

También se dedica a una serie de causas políticas y sociales. Apoya al Partido Demócrata y ha hecho donativos a las campañas de John Kerry, Hillary Clinton y Joseph Driscoll.^[32]​ Es una partidaria decidida del control sobre las armas de fuego y en el año 2000 participó en la campaña de la revista Marie Claire: “Acaben con la violencia armada ahora”.^[33]​ También participó en 2004 en la “Marcha por la vida de las mujeres” que apoyaba la legalidad del aborto.^[34]​

Filmografía

Año	Película	Personaje	Notas
1988	Johnny Be Good	Georgia Elkans
	Dangerous Liaisons	Cécile de Volanges
	Kiss Daddy Goodnight	Laura
	Las aventuras del Barón Munchausen	Venus/Rose
1990	Henry y June	June Miller
	Donde está el corazón	Daphne McBain
1991	Robin Hood, el magnífico	Marian	Versión de John Irwin
1992	Análisis final	Diana Baylor
	Jennifer 8	Helena Robertson
1993	La chica del gángster	Glory
	Ellas también se deprimen	Sissy Hankshaw
1994	Pulp Fiction	Mia Wallace	Nominada: Óscar a la mejor actriz de reparto Nominada - Globo de Oro a la mejor actriz de reparto
1995	A Month by the Lake	Miss Beaumont
1996	La verdad sobre perros y gatos	Noelle
	Beautiful Girls	Andera
1997	Gattaca	Irene Cassini
	Batman y Robin	Hiedra Venenosa
1998	Los miserables	Fantine
	Los vengadores	Emma Peel	Adaptación cinematográfica de la serie de televisión homónima británica emitida entre 1961 y 1969.
1999	Sweet and Lowdown	Blanche
2000	Vatel	Anne de Montausier
	La copa dorada	Charlotte Stant	Basada en la novela homónima de Henry James.
2001	Tape	Amy Randall
2002	Ciegas de amor (televisión)	Debby Miller	Productora Globo de Oro a la mejor actriz de miniserie o telefilme
2003	Paycheck	Dr. Rachel Porter
	Kill Bill Volumen 1	La Novia/Mamba negra	Nominada: Globo de Oro a la mejor actriz - Drama
2004	Kill Bill Volumen 2	Beatrix Kiddo/La Novia/Mami/Mamba negra	Nominada: Globo de Oro a la mejor actriz - Drama
2005	The Naked Brothers Band	Invitada	Documental
	Be Cool	Edie Athens
	Nausicaä del Valle del Viento	Kushana (voz)	Nuevo doblaje inglés de la película de 1984.
	Prime	Rafi Gardet
	Los productores	Ulla	Comedia musical basada en la película del mismo nombre de 1968, dirigida por Mel Brooks.
2006	Mi súper ex novia	Jenny Johnson/G-Girl	Nominada: People's Choice Awards
2008	The Life Before Her Eyes	Diana
	Marido por sorpresa	Emma Lloyd	Productora
	My Zinc Bed	Elsa Quinn
	A Muppets Christmas: Letters to Santa (TV movie)	Joy
2009	Motherhood	Eliza Welch
2010	Percy Jackson y el ladrón del rayo	Medusa
	La boda	Zoe
2011	Bel Ami	Madelaine Forestier/Madelaine Duroy
	Girl Soldier	Sister Caroline
2012	Movie 43	Lois Lane
	Playing for Keeps	Patti
2013	Nymphomaniac Volumen 1	Mrs. H.
2014	Nymphomaniac Volumen 2	Mrs. H.
	Anita	Anita Bryant
2016
	The Brits Are Coming	Harriet Fox
	The 11th

Premios

Premios Óscar

Año	Categoría	Película	Resultado
1994	Mejor actriz de reparto	Pulp Fiction	Nominada

Premios Globo de Oro

Año	Categoría	Película	Resultado
2004	Mejor actriz - Drama	Kill Bill Vol. 2	Nominada
2003	Mejor actriz - Drama	Kill Bill Vol. 1	Nominada
2002	Mejor actriz - Miniserie o telefilme	Ciegas de amor	Ganadora
1994	Mejor actriz de reparto	Pulp Fiction	Nominada

Datos generales
Nombre real	Peter Gene Hernandez
Nacimiento	8 de octubre de 1985 (32 años)
Origen	Honolulu, Hawái,  Estados Unidos
Nacionalidad	Estadounidense
Ocupación	Cantante compositor productor musical coreógrafo
Información artística
Género(s)	Pop funk soul hip hop disco rock
Instrumento(s)	Voz batería guitarra teclado ukelele piano
Tipo de voz	Tenor
Período de actividad	2004-presente
Discográfica(s)	Elektra Records
Web
Sitio web	www.brunomars.com
Ficha	Bruno Mars en IMDb

Peter Gene Hernandez (Honolulú, Hawái, 8 de octubre de 1985), conocido como Bruno Mars, es un cantante, compositor, productor musical y coreógrafo estadounidense. Mars comenzó a crear música desde una edad muy temprana y actuó en muchos escenarios de su pueblo natal a lo largo de su niñez realizando imitaciones. Se graduó de la escuela secundaria y se mudó a Los Ángeles, California para proseguir con su carrera musical. Después de una temporada sin éxito con Motown Records, Mars firmó con Atlantic Records en 2009. Llegó a ser reconocido como artista en solitario después de prestar su voz y haber coescrito los coros para las canciones «Nothin' on You» de B.o.B, y «Billionaire» de Travie McCoy. También coescribió los éxitos internacionales «Right Round» de Flo Rida, «Wavin' Flag» de K'naan y «Fuck You!» de Cee Lo Green. El 4 de octubre de 2010, lanzó su álbum de estudio debut, Doo-Wops & Hooligans. Logró colocar en la mejor posición de Billboard Hot 100 a los sencillos «Just the Way You Are» y «Grenade»,su segundo álbum fue Unorthodox Jukebox, el cual logró colocar de igual forma en la primera posición de la misma lista a las canciones «Locked out of Heaven» y «When I Was Your Man». Ha llegado a vender más de 170 millones de copias a nivel mundial lo que lo hace uno de los artistas con más ventas. Además Mars cuenta con 7 de sus canciones dentro de los sencillos más vendidos en el mundo. Su música se caracteriza por mostrar una amplia variedad de estilos e influencias y contiene elementos de géneros musicales variados. Ha trabajado con una variedad de artistas de diferentes géneros; Mars reconoce las influencias que sus colaboraciones han tenido en su propia música. Cuando era niño fue muy influenciado por artistas como Elvis Presley y con frecuencia se hacía pasar por este artistas desde una edad temprana. Mars también incorpora sonidos inspirados en el reggae y en la Motown en su trabajo. Jon Caramanica de The New York Times se refiere a Mars como «uno de los cantantes más versátiles y accesibles en el pop».^[1]​^[2]​ Mars también forma parte del trío de compositores bautizados como The Smeezingtons, formado junto a Philip Lawrence y Ari Levine. Ha escrito letras para una decena de artistas como Sugababes, Adele, Justin Bieber, Flo Rida, Cee Lo Green y Taemin, integrante del grupo SHINee.

Vida y carrera

1985-2004: Primeros años

Peter Gene Hernández nació y se crio en Hawái, Estados Unidos^[3]​. Sus padres son Peter Hernández y Bernadette «Bernie» de Puerto Rico y Filipinas, respectivamente.^[4]​^[5]​A los dos años fue apodado como "Bruno" por su padre, debido a su parecido con el luchador profesional Bruno Sammartino.^[6]​ Hernández tiene cinco hermanos, (su hermano Eric y sus hermanas Presley, Jaime, Tiara y Tahití). Viene de una familia musical de reggae, rock, hip hop y R&B.^[7]​^[8]​ En 1990 Hernández fue presentado en el periódico The New York Times como el "Pequeño Elvis". Apareció como el pequeño Elvis en la película Honeymoon in Vegas en 1992.^[4]​^[9]​ En el 2010, dijo, "Crecer en Hawái me hizo el hombre que soy. Yo solía hacer un montón de espectáculos en Hawái con la banda de mi padre. Todo el mundo en mi familia canta, todo el mundo toca instrumentos. Mi tío y Connie Muga también es un guitarrista increíble, mi padre es un percusionista increíble, mi hermano es un gran baterista. He estado rodeado por ella".^[10]​ Asistió a la preparatoria President Theodore Roosevelt High School, graduándose en 2003 a los 17 años, y poco después se mudó a Los Ángeles para proseguir una carrera musical.^[4]​^[9]​

2005-2009: Inicios en la industria musical

Tras llegar a Los Ángeles, Mars contó con la ayuda de su hermana Jaime para conseguir contactos iniciales.^[11]​ Allí conoció a Philip Lawrence. Una demo "muy, muy buena" le valió un contrato con la discográfica Motown. Mars no tenía ninguna experiencia en escribir o producir, y su contrato con Motown no funcionó.^[11]​ En 2006, Lawrence le presentó a Aaron Bay-Schuck, de la discográfica Atlantic Records. Tras escuchar varias canciones con la guitarra, Bay-Schuck quiso contratarlo inmediatamente, pero su contrato no llegó hasta el 2009.^[12]​ Durante esos años, Mars estuvo mejorando su composición y tratando de averiguar lo que quería ser como artista.^[12]​ Antes de convertirse en un artista solista, fue un reconocido productor musical, escribiendo canciones para Flo Rida,^[7]​^[13]​ Alexandra Burke, Cobra Starship, Travis McCoy, Adam Levine, Brandy, Sean Kingston y también co-escribió la canción de Sugababes, "Sexy" y los coros de su álbum Sweet 7.^[14]​ Su primera aparición musical como cantante fue en el álbum de estudio Animal de Far East Movement, apareciendo en la canción "3D", producido por The Stereotypes.^[15]​ Llegó a la prominencia como un artista en solitario con su participación en las canciones "Nothin' on You" con B.o.B, y "Billionaire" con Travie McCoy; ambas canciones alcanzaron su punto máximo dentro de los diez primeros puestos de las listas mundiales.

2010-2012: It's Better If You Don't Understand y Doo-Wops & Hooligans

Después de este éxito, Mars hizo su debut en un EP, titulado It's Better If You Don't Understand y lanzado el 11 de mayo de 2010.^[16]​ El EP alcanzó su punto máximo en la posición 99 en el Billboard 200 y lanzó como sencillo "The Other Side", con la colaboración de los raperos Cee Lo Green y B.o.B.^[17]​^[18]​ Colaboró una vez más con Green en agosto de 2010 al co-escribir su sencillo "Fuck You!". Realizó un popurrí de "Nothin' on You" y "Airplanes" con B.o.B y Hayley Williams en los premios MTV Video Music Awards 2010 el 12 de septiembre de 2010.^[19]​ El álbum debut de Mars "Doo-Wops & Hooligans" fue lanzado digitalmente el 4 de octubre de 2010 y en forma física el 5 de octubre de 2010.^[20]​^[21]​^[22]​ El primer sencillo, "Just the Way You Are", fue lanzado el 19 de julio de 2010,^[23]​ y ha llegado a la posición número 1 del Billboard Hot 100.^[24]​ El video musical fue lanzado el 8 de septiembre de 2010.^[25]​ Dos canciones del álbum, "Liquor Store Blues" con Damian Marley y "Grenade" fueron lanzados en iTunes Store como sencillos promocionales.^[26]​ La portada del álbum fue lanzada oficialmente el 30 de agosto de 2010.^[27]​ Abrió los conciertos de Maroon 5 en su Hands All Over Tour que comenzó el 6 de octubre de 2010. Mars también cantó con Travie McCoy en una gira europea que comenzó el 18 de octubre de 2010.^[22]​ Según Nielsen SoundScan, hasta octubre de 2012, Doo-Wops & Hooligans vendió 1 842 000 copias en Estados Unidos,^[28]​ donde debutó en la tercera posición de la lista Billboard 200.^[29]​ Mars colaboró en la canción "Lighters" del grupo Bad Meets Evil, formado por los raperos Eminem y Royce Da 5'9". La canción pertenece al EP Hell: The Sequel y se filtró en Internet en junio de 2011.^[30]​ El 13 de septiembre de 2011 se estrenó "Mirror" con Lil Wayne, canción perteneciente al noveno álbum de Wayne, Tha Carter IV.^[31]​ El 22 de septiembre se anunció que Mars participaría en la banda sonora de la película The Twilight Saga: Breaking Dawn, con la canción "It Will Rain". Se estrenó el 27 de septiembre.^[32]​ El 11 de octubre fue lanzado el sencillo "Young, Wild & Free" de los raperos Snoop Dogg y Wiz Khalifa, que cuenta con la colaboración de Mars. El 23 de octubre cantó "Runaway Baby" en el programa británico The X Factor,^[33]​ y el 30 de noviembre consiguió 6 nominaciones para los Premios Grammy 2012.^[34]​ Ese mes apareció en el programa infantil Sesame Street, interpretando la canción «Don't Give Up».^[35]​ En abril de 2012 posó para la revista Playboy, convirtiéndose en el 10º hombre en aparecer en la portada de la revista.^[36]​ El 19 de septiembre de 2010, Mars fue arrestado en Las Vegas por posesión de cocaína.^[37]​ Al hablar con un oficial de policía, Mars habría declarado que lo que hizo fue "tonto" y que "nunca ha consumido drogas antes".^[38]​^[39]​ Mars se declaró culpable de posesión de drogas siendo éste un delito grave, los cargos se borrarán de su registro de antecedentes penales, siempre y cuando se pague una multa de $ 2.000, 200 horas de servicio comunitario y complete un curso de consejería sobre drogas.^[40]​ En noviembre de 2011, Mars confirmó que había empezado a trabajar en su segundo álbum, el cual sería "más divertido".^[41]​

2012-2015: Unorthodox Jukebox, Super Bowl XLVIII

El 9 de marzo de 2012 se anunció que Mars había firmado un acuerdo con BMG Chrysalis US.^[42]​ Mars anunció que el primer sencillo de su nuevo álbum sería «Locked Out of Heaven», que fue lanzado el 1 de octubre de 2012. El 11 de diciembre de 2012, Mars lanzó su segundo álbum de estudio, Unorthodox Jukebox. Además de anunciar el título del álbum y el primer sencillo, Mars anunció las otras 9 canciones del álbum.^[43]​ Señaló que el álbum sería más variado y se negó a «elegir un estilo musical», explicando: «Escucho mucha música, y quiero tener la libertad y el lujo de entrar a un estudio y decir, 'Hoy quiero hacer un álbum hip-hop, R&B, soul o de rock.'» En Estados Unidos, el álbum debutó en el número dos en Billboard 200 con ventas de 187.000 copias.^[44]​ El álbum debutó en el puesto número uno en Suiza y Reino Unido. Fue el álbum vendido más rápido por un artista en 2012.^[45]​ El primer sencillo del álbum, «Locked Out of Heaven», alcanzó el puesto número uno en Billboard Hot 100 y en varios países en todo el mundo. El segundo sencillo del álbum, «When I Was Your Man», llegó al puesto número 10 en quince países, incluyendo el puesto número uno en Billboard Hot 100. En febrero de 2013, Mars fue nominado por Mejor Canción de Rap en los Premios Grammy, como productor y escritor de «Young, Wild & Free»; de todas formas perdió contra «Niggas in Paris». Durante la ceremonia, cantó con Sting, Rihanna, Ziggy Marley y Damian Marley en un homenaje a Bob Marley. El tercer sencillo, «Treasure» llegó al puesto número cinco en Estados Unidos y tuvo un menor éxito comercial en todo el mundo que los dos sencillos anteriores. El 24 de mayo de 2013, Major Lazer lanzó «Bubble Butt» como el cuarto sencillo de su álbum Free the Universe con Tyga, Mystic y Mars cantando, convirtiéndolo el sencillo más exitoso de Major Lazer hasta ese momento. Mars dio a conocer el siguiente sencillo, «Gorilla», que alcanzó el puesto número 22 en Hot 100 y tuvo éxito en todo el mundo, en los MTV Video Music Awards 2013.^[46]​ El 25 de septiembre, Mars anunció que realizaría ocho shows en The Cosmopolitan of Las Vegas entre diciembre de 2013 y agosto de 2014.^[47]​ Según Billboard Mars fue el duodécimo músico mejor pagado de 2013, con ganancias de 18,8 millones de dólares,^[48]​ además en diciembre de 2013, fue nombrado Artista del Año por la misma revista,^[49]​ y ocupó el puesto número uno en la lista Forbes de 2014, en un recuento de las estrellas más brillantes en 15 campos diferentes menores de 30 años.^[50]​ Además fue el decimotercero en la lista de 2014 de las celebridades más poderosas del mundo con ganancias estimadas de $ 60 millones.^[51]​ El 26 de enero de 2014, Mars ganó el premio de Mejor álbum de pop vocal por Unorthodox Jukebox en los Premios Grammy. Una semana después, encabezó el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl XLVIII junto a los Red Hot Chili Peppers como invitados.^[52]​^[53]​ Mars se convirtió en el primer cantante con menos de 30 años y de ascendencia puertorriqueña en cantar en el show.^[54]​ El show tuvo 115.3 millones de espectadores, pasando el récord anterior de 114 millones, hecho por Madonna hacía dos años.^[55]​ En noviembre de 2014, Mars colaboró en la canción "Uptown Funk" de Mark Ronson en la parte vocal, la canción llegó a la cima de las listas de ventas y popularidad alrededor del mundo, estuvo 14 semanas consecutivas en el primer puesto de Billboard Hot 100.^[56]​

2016-: Super Bowl 50 y 24K Magic

El 2 de diciembre de 2015, se anunció que la banda británica Coldplay serían los actores principales en el espectáculo de medio tiempo para el Super Bowl 50 el 7 de febrero de 2016.^[57]​^[58]​ Mars y Beyoncé fueron invitados en el show, convirtiéndose en el tercero y el cuarto artista en haber participado dos veces en el show del Super Bowl, junto con Justin Timberlake y Nelly, y superados por Gloria Estefan con tres apariciones.^[59]​ Las calificaciones de Nielsen confirmaron que el espectáculo fue visto por 111,9 millones de televidentes, convirtiéndose así en el tercer espectáculo de medio tiempo más visto en su historia después de que Katy Perry y Mars fueran actores principales. En los premios Grammy de 2016 el sencillo de Mars con Mark Ronson, «Uptown Funk», ganó el Grammy a Mejor Colaboración Pop, Canción del año, en total ganó cuatro premios. Mars protagonizó la segunda temporada de Jane the virgin como invitado musical.^[60]​ El 10 de mayo de 2016, Billboard informó que Mars y su manager, Brendon Creed, se habían dividido después de nueve años trabajando juntos.^[61]​ Luego de casi 4 años de no lanzar nueva música el 7 de octubre de 2016 el tema «24K Magic» fue publicado como el primer sencillo de su próximo disco homónimo que sería revelado el 18 de noviembre, la canción logró posicionarse en el primer puesto en 9 países y llegó al puesto 4 de Billboard Hot 100.^[62]​ Posteriormente el viernes 5 de noviembre, publicó una nueva canción llamada «Versace On The Floor» la cual también formaría parte de su nuevo material. El 15 de octubre reveló que se embarcaría en una nueva una gira musical de 86 presentaciones por Europa y Norte América, y llevaría por nombre «24K Magic World Tour». La gira logró vender un millón de entradas en 24 horas, y adhirieron 15 presentaciones más.^[63]​

Estilo musical

La música de Mars es notable por mostrar una gran variedad de estilos e influencias, como pop,^[64]​ rock,^[64]​ reggae,^[64]​ R&B,^[65]​ soul^[66]​ y hip hop.^[1]​ Jon Caramanica de The New York Times lo llamó "uno de los cantantes más versátiles y accesibles del pop, con una voz suave e influenciada por el soul, que se adapta a una amplia gama de estilos".^[1]​ Mars fue influenciado inicialmente por artistas de R&B como Keith Sweat, Jodeci y R. Kelly, así como por el rock 'n roll de los años 1950 y Motown. En el instituto empezó a escuchar grupos de rock clásico como The Police, Led Zeppelin y The Beatles^[67]​^[68]​ así como cantantes con voces altas, como Stevie Wonder y Freddie Mercury. Bob Marley y bandas locales en Hawái, fueron una influencia importante y explican sus raíces de reggae. Artistas hip-hop como Jay-Z, The Roots, y Cody Chesnutt estaban entre algunos de los favoritos de Mars, y han influido en sus habilidades de composición. Mars explicó que "no es fácil crear canciones con esa mezcla de rock, soul y hip hop, y solo hay un puñado de ellas".^[67]​ Por otro lado Mars también ha mencionado a artistas cómo Michael Jackson y Elvis Presley dentro de sus más grandes influencias.^[69]​^[70]​ Además, Mars afirma que su trabajo con otros artistas influenció su estilo musical, diciendo que "Nothin' on You" tuvo un ambiente Motown, "Billionaire" se acercó más al reggae, aunque una de mis favoritas es la canción de Cee-Lo Green (Fuck You!). No creo que otra persona pudiese haber cantado esa canción". Cita el doo-wop como una gran influencia en su música, refiriéndose al género como "simplemente canciones de amor sencillas - tan encantador, sencillo y romántico".^[71]​ Líricamente, muchas canciones de Mars han sido descritas como despreocupadas y optimistas;^[72]​ sin embargo, algunas canciones tratan temas más oscuros, como Grenade, Liquor Store Blues o Talking to the Moon, que cuentan relaciones fracasadas y comportamientos auto-destructivos.^[66]​^[73]​ Otros artistas que Mars ha mencionado como sus inspiraciones son: Jimi Hendrix, Sly Stone, Carlos Santana, George Clinton, Coldplay y Usher.^[74]​^[75]​ Mars también ha declarado que es fanático de: Alicia Keys, Jessie J, Jack White, The Saturdays y Kings of Leon.^[76]​

Miembros

Miembros actuales

• Bruno Mars  – voz principal, guitarra (2010–presente)
• Philip Lawrence  – coros (2010–presente)
• Phredley Brown  – teclado (2010 – octubre de 2012), guitarra (octubre de 2012 – presente), coros (2010–presente)
• Jamareo Artis  – bajo (2010–presente)
• Eric Hernandez  – batería (2010–presente)
• Kameron Whalum  – trombón (2010–presente)
• Dwayne Dugger  – saxofón (2010–presente)
• James King  – trompeta (2010–presente)
• John Fossit - teclado, piano (9 de octubre de 2012 - presente)

Miembros anteriores

• Kenji Chan  – guitarra principal (2010 – 10 de octubre de 2012)

Discografía

• 2010: Doo-Wops & Hooligans
• 2012: Unorthodox Jukebox
• 2016ː 24K Magic

Filmografía

• Honeymoon in Vegas (1992)
• Rio 2 (2014)

Giras y residencias

Giras musicales

Headlining

• Doo-Wops & Hooligans Tour (2010–12)
• The Moonshine Jungle Tour (2013–14)
• 24K Magic World Tour (2017–18)

Co-headlining;

• European tour with Travie McCoy (2010) (European select dates)

Opening act

• Hands All Over Tour (2010) (North American select dates)

Residency shows

• The Cosmopolitan of Las Vegas (2013–14)

Premios y nominaciones

Bruno Mars ha ganado numerosos premios y honores a lo largo de su carrera, incluyendo diez premios Grammy,^[77]​^[78]​ tres Brit Awards^[79]​^[80]​^[81]​ y tres MTV Europe Music Awards.^[82]​^[83]​ En 2011, Mars hizo la lista de la revista Time 100 y en 2013 fue considerado el sexto mejor compositor de ese año por Billboard.^[84]​^[85]​ Los Smeezingtons, el equipo de compositores y productores de discos del cual hace parte Mars, han ganado varios elogios.^[86]​ En 2014, Mars se convirtió en el artista con más de cinco entradas en el Billboard Hot 100 desde su primera semana en la lista.^[87]​ Junto con Adele y John Legend, Mars es el único artista que tiene una canción que solo cuenta con piano y voces para encabezar el Hot 100.^[88]​ Es el primer artista masculino en colocar dos canciones como protagonista en el Top 10 de Hot 100 simultáneamente.^[89]​ Mars fue el artista más escuchado en la radio pop en 2013 de acuerdo con Mediabase^[90]​ y se convirtió en el primer artista masculino en solitario, cuyos primeros 13 Top 40 hits alcanzaron el Top 10 en el Top 40 americano.^[91]​ En total, ha tenido seis singles número uno en el Hot 100.^[92]​ Según la Federación Internacional de Industria Fonográfica (IFPI), "Just the Way You Are" y "Grenade" son dos de los singles digitales más exitosos de todos los tiempos, con ventas de 12,5 millones y 10,2 millones, respectivamente. Esto contribuyó a que Mars se convirtiera en el artista con más ventas en 2012.^[93]​ Sus canciones "Just The Way You Are", "Grenade", "Locked Out Of Heaven" y "When I Was Your Man" han vendido más de 4 millones de copias digitales, lo que lo convierte en el primer artista masculino en hacerlo como solista.^[94]​ Cinco de sus sencillos se encuentran entre los más vendidos de todos los tiempos.^[95]​ A partir de 2014, Mars ha vendido más de 100 millones de sencillos y álbumes en todo el mundo.^[96]​ Sin embargo, como cantante, artista, productor y compositor, sus ventas superan los 169 millones de sencillos en todo el mundo.^[97]​ Debido a la venta de boletos que ocurrió durante la semana después del Super Bowl, y para limitar ese tipo de especulación, la Presidenta del Senado de Hawái, Donna Mercado Kim, presentó la Resolución 12 del Senado, también conocida como la Ley Bruno Mars. Limita todas las compras de boletos dentro de 48 horas de la fecha de la venta a la taquilla física. Esto asegura que cualquier persona que llegue a la taquilla para comprar boletos para un espectáculo casi seguramente se garantizará un boleto y desalienta el scalping del boleto.^[98]​ El Senado del Estado en Hawái aprobó la ley.^[99]​

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Madonna Louise Veronica Ciccone​ (Bay City, Míchigan, 16 de agosto de 1958), conocida simplemente como Madonna, es una cantante, compositora, actriz y empresaria estadounidense. Pasó sus primeros años en Bay City y en 1977 se mudó a la ciudad de Nueva York para realizar una carrera de danza contemporánea. Después de participar en dos grupos musicales, Breakfast Club y Emmy, en 1982 firmó con Sire Records (filial de Warner Bros. Records) y lanzó su álbum debut Madonna al año siguiente. Siguió lanzando una serie de álbumes en los que encontró una inmensa popularidad, superando los límites de contenido de las letras de sus canciones y explotando las imágenes en sus vídeos musicales, que a lo largo de su carrera se han convertido en piezas de arte.^[2]​ Muchas de sus canciones han alcanzado el número uno en las listas musicales de varios países alrededor del mundo; sus mayores éxitos incluyen temas como «Like a Virgin», «Material Girl», «Papa Don't Preach», «La isla bonita», «Like a Prayer», «Express Yourself», «Vogue», «Frozen», «Music», «Hung Up» y «4 Minutes». Madonna ha sido elogiada por los críticos por sus producciones musicales y puestas en escena, dándole el título de «La Reina del Pop».^[3]​ Su carrera se vio reforzada por sus papeles en diversas películas por las que ha recibido comentarios variados. Su protagónico más elogiado es el de Eva Perón para la película Evita de 1996, por el que incluso ganó un Premio Globo de Oro por mejor actriz de comedia o musical; pero ha recibido críticas negativas por otros papeles.^[4]​ Otras ocupaciones de Madonna incluyen ser diseñadora de moda, escritora de libros infantiles, directora de cine y productora discográfica, además de que es dueña del sello discográfico Maverick. También es una aclamada empresaria, y en 2007, firmó un contrato de 120 millones de dólares con Live Nation.^[5]​ Madonna ha vendido más de 300 millones de producciones musicales,^[6]​^[7]​ con lo que establece el récord mundial de «la solista más exitosa y de mayores ventas musicales de todos los tiempos», incluido en el Libro Guinness de los récords.^[8]​ Según la Recording Industry Association of America (RIAA) es la solista con mayores ventas del siglo XX, y la segunda con mayores ventas en los Estados Unidos (detrás de Barbra Streisand) con 64 millones de álbumes certificados.^[9]​ En el Reino Unido es la solista femenina con mayores ventas de sencillos en la historia, con 17,6 millones.^[10]​ En 2008, la revista Billboard clasificó a Madonna en el número dos, detrás de The Beatles, en el Billboard Hot 100 All-Time Top Artists,^[11]​ convirtiéndola en la solista más exitosa en la historia musical, además de ser incluida en el Salón de la Fama del Rock en el mismo año. De manera general, diversos biógrafos, escritores, periodistas y demás medios de comunicación la consideran como la mujer más influyente y exitosa de la historia musical.^[12]​^[13]​^[14]​^[15]​^[16]​^[17]​^[18]​^[19]​^[20]​ Considerada como una de las figuras más influyentes en la música contemporánea, Madonna es conocida por reinventar continuamente tanto su música e imagen. Además es reconocida como una fuente de inspiración por varios artistas y por su gran legado a la cultura pop.^[1]​

Vida y carrera

1958-1981: Niñez e inicios artísticos

Madonna Louise Ciccone nació en Bay City, Míchigan el 16 de agosto de 1958. Su madre, Madonna Louise Fortin, era de ascendencia franco-canadiense,^[21]​ y su padre, Silvio Anthony Ciccone, es italo-americano.^[22]​ La familia Ciccone es originaria de Pacentro, Italia; su padre emigró desde Europa para conseguir trabajo en América como ingeniero de diseño en Chrysler y General Motors. Madonna fue apodada «Little Nonni» para distinguirla de su madre.^[23]​^[24]​ Es la cuarta de seis hijos, sus hermanos mayores son Martin, Anthony y Paula y sus hermanos menores, Christopher, Melanie y Jennifer .^[25]​ Madonna fue criada en los suburbios de Detroit, Pontiac y Avon (ahora parte de Rochester Hills). Su madre falleció de cáncer mamario a los 30 años en 1963, cuando Madonna tenía cinco años de edad.^[25]​ Meses antes de su muerte, Madonna notó cambios en el comportamiento y personalidad de su madre, aunque no entendía la razón.^[26]​ Al momento de intentar explicarle la condición médica que padecía a su pequeña hija, la señora Ciccone comenzaba a llorar, a lo cual Madonna respondía con un abrazo. «Recuerdo que me sentía más fuerte que ella», dijo Madonna, «yo era tan pequeña y aun así sentía como si ella fuese la niña».^[26]​ Posteriormente, Madonna reconoció que no había comprendido la idea de que su madre estaba muriendo. «Hubo mucho que no se dijo, tantas emociones reprimidas y sin resolverse, el remordimiento, la culpa, la pérdida, la ira, la confusión. [...] Vi a mi madre, se veía tan hermosa simplemente recostada como si estuviera dormida en el ataúd abierto. Luego me di cuenta que su boca se veía rara. Me tomó un rato darme cuenta de que estaba cosida. En ese horrible momento entendí que la había perdido para siempre. La última imagen de mi madre, a la vez pacífica y a la vez grotesca, aún me asusta hoy».^[27]​ Madonna finalmente aprendió a cuidar de sí misma y de sus hermanos, y volvió con su abuela con la esperanza de encontrar algún consuelo y alguna clase de figura materna en ella. Los hermanos Ciccone mantenían la casa en orden y se rebelaron invariablemente contra cualquiera que llegara a su hogar para ocupar el lugar de su querida madre.^[26]​ En una entrevista con la revista Vanity Fair, Madonna comentó que en su juventud se vio a sí misma como una «chica solitaria que estaba buscando algo. Yo no era rebelde en cierta manera. Me preocupaba por ser buena en algo. No me afeitaba mis axilas y no usaba maquillaje como las otras niñas. Pero estudié y obtuve buenas notas... quería ser alguien».^[26]​ Asustada por la idea de que su padre también se fuera, a menudo no podía dormir a menos que él estuviera cerca de ella.^[26]​ Su padre se casó con el ama de llaves de la familia, Joan Gustafson, y tuvieron dos hijos: Jennifer y Mario Ciccone.^[28]​ En este punto, Madonna comenzó a expresar sentimientos de ira hacia su padre, los cuales duraron décadas y desarrolló una actitud rebelde.^[26]​ Asistió a las escuelas primarias de St. Frederick y St. Andrew, y al concluir, a la West Middle School. En la escuela fue conocida por su promedio alto y alcanzó notoriedad por su comportamiento poco convencional: hacía volteretas y piruetas en los pasillos entre las clases, se colgaba de sus rodillas en las barras de mono durante el receso y se levantaba la falda durante la clase, todo para que los chicos pudieran ver su ropa interior.^[29]​ Más tarde, asistió a la Rochester Adams High School y fue una estudiante modelo, además de ser miembro del equipo de animadoras.^[25]​ Después de graduarse, recibió una beca de danza en la Universidad de Míchigan.^[30]​ Convenció a su padre para permitirle tomar clases de ballet^[31]​ y fue persuadida por su profesor, Christopher Flynn, para seguir una carrera en el mundo de la danza.^[32]​ A finales de 1977, Madonna dejó la escuela y se trasladó a la ciudad de Nueva York.^[33]​^[34]​ Tenía poco dinero, por lo que consiguió un trabajó como mesera en Dunkin' Donuts y con grupos de danza contemporánea.^[35]​ Madonna dijo de su traslado a Nueva York: «fue la primera vez que viajé en avión y la primera vez que viajé en taxi. Vine aquí con 35 dólares en el bolsillo. Fue lo más valiente que he hecho».^[36]​ Comenzó a trabajar como bailarina sustituta para otros artistas. Durante una noche, mientras regresaba de un ensayo, fue arrastrada hasta un callejón por un par de hombres y obligada a realizar una felación. Madonna comentó que «el episodio fue una prueba de mi debilidad, me demostró que todavía no podía salvarme a pesar de todo el look de chica fuerte. Nunca podré olvidarlo».^[37]​ Mientras actuaba como bailarina para el cantante francés Patrick Hernandez en su gira mundial de 1979,^[29]​ Madonna se implicó románticamente con el músico Dan Gilroy. Juntos formaron su primera banda de rock, Breakfast Club,^[28]​^[38]​ en donde Madonna cantaba y tocaba la guitarra y la batería. En 1980 dejó a Breakfast Club y, con su exnovio Stephen Bray como batería, formaron la banda Emmy. Su música impresionó al DJ y productor Mark Kamins, quien arregló un encuentro entre Madonna y Seymour Stein, fundador de la discográfica Sire Records.^[39]​^[40]​

1982-1985: Madonna, Like a Virgin y primer matrimonio

En 1982, Madonna firmó un contrato con Sire Records, un sello discográfico perteneciente a Warner Bros. Records.^[41]​ Su primer sencillo, «Everybody», fue lanzado el 6 de octubre de ese año y el segundo, «Burning Up» se lanzó en marzo de 1983. Ambos se convirtieron en un éxito en Estados Unidos, alcanzando el número tres en la lista Hot Dance Club Play de Billboard.^[42]​ Después de este éxito, comenzó a trabajar en su álbum debut Madonna, producido principalmente por Reggie Lucas. Sin embargo, la cantante no estaba contenta con las pistas terminadas y tuvo varios desacuerdos con las técnicas de producción de Lucas, por lo que decidió buscar ayuda adicional. Madonna acudió en busca de ayuda con su nuevo novio, John «Jellybean» Benitez, para terminar la producción del álbum. Benitez mezcló la mayoría de las pistas y produjo el tema «Holiday», que fue el tercer sencillo y su primer éxito internacional. En general, el sonido de Madonna es «disonante», cuyo estilo se asemeja a la música disco combinada con el sintetizador, utilizando algunas de las tecnologías recientes de la época, como la caja de ritmos LinnDrum, el bajo Moog y el sintetizador OB-X.^[39]​^[43]​ El álbum fue lanzado en julio de 1983 y alcanzó el número ocho en la lista Billboard 200 seis meses después, en 1984. También se lanzaron dos sencillos más, «Borderline» y «Lucky Star».^[44]​^[45]​

Me sorprendí por cómo reaccionó la gente ante "Like a Virgin" porque cuando grabé esa canción, para mí, estaba cantando sobre cómo algo me hizo sentir de cierta manera –renovada y fresca– y todos pensaron que cantaba que ya no quería ser virgen. ¡Joder! No tiene nada que ver con lo que canté. "Like a Virgin" fue siempre absolutamente ambigua. —Madonna comentando sobre «Like a Virgin».[46]​[47]​

Gradualmente, el aspecto de Madonna, su forma de vestir, sus actuaciones y sus videos musicales comenzaron a influir en mujeres y niñas. Su estilo se convirtió en una moda femenina de la década de 1980, el cual fue creado por la diseñadora de joyería y estilista, Maripol. Este look, mezcla de estética punk y new romantic, consistía de tops con encaje, faldas encima de pantalones capri, medias de rejilla, joyería (que incluía un crucifijo y brazaletes) y el cabello aclarado.^[48]​ Madonna logró el reconocimiento mundial después del lanzamiento de su segundo álbum de estudio, Like a Virgin en noviembre de 1984. Encabezó las listas de popularidad en varios países y se convirtió en su primer álbum que llegó al número uno en el Billboard 200.^[44]​^[49]​ La canción homónima, «Like a Virgin», encabezó la lista Billboard Hot 100 durante seis semanas consecutivas,^[45]​ y atrajo la atención de las organizaciones familiares, quienes se quejaron de que la canción y su video promovían las relaciones sexuales prematrimoniales y socavaban los valores familiares,^[50]​ razón por la cual intentaron censurarlos.^[51]​ Madonna alimentó la polémica cuando interpretó la canción en la primera entrega de los MTV Video Music Awards, donde apareció en el escenario encima de un pastel de boda gigante, con un vestido de novia y un velo, adornado con su característica hebilla de cinturón «Boy Toy». Sorprendiendo a los técnicos que movían las cámaras, Madonna improvisó parte de su coreografía echándose al suelo y moviéndose sensualmente. Esta actuación es reconocida como una presentación icónica en la historia de MTV.^[52]​ En años posteriores, Madonna comentó que estaba realmente aterrorizada por la actuación. Dijo, «recuerdo a mi mánager Freddy gritándome, '¡Oh, Dios mío! ¿Qué estabas haciendo? Llevabas un vestido de novia. ¡Dios mío! ¡Estabas rodando por el suelo!' Fue lo más valiente y lo más sexual que había hecho en la televisión».^[52]​^[53]​ El siguiente éxito fue «Material Girl», promovido por el video musical icónico, que era una imitación de la interpretación de Marilyn Monroe de la canción «Diamonds Are a Girl's Best Friend» de la película de 1953, Los caballeros las prefieren rubias. Mientras filmaba este video, Madonna comenzó a salir con el actor Sean Penn, con quien contrajo matrimonio en su cumpleaños número 27 en 1985.^[54]​ Like a Virgin fue certificado con disco de diamante por la Recording Industry Association of America (RIAA) y vendió más de 25 millones de copias en todo el mundo.^[55]​^[56]​ En 1998, la Academia Nacional de Grabación de Artes y Ciencias y el Salón de la Fama del Rock lo clasificaron como uno de los mejores 200 álbumes de todos los tiempos.^[57]​ Madonna entró al mundo del cine en 1985, comenzando con una breve aparición como cantante de un club en la película Vision Quest, una comedia romántica. La banda sonora de la película contenía dos nuevos sencillos, el éxito número uno en Estados Unidos, «Crazy for You» y también «Gambler».^[58]​ Pero su despegue como figura cinematográfica fue gracias a la comedia Desperately Seeking Susan de 1985, una película donde sobresalía la canción «Into the Groove», el primer número uno de la cantante en el Reino Unido.^[59]​ Aunque no era la actriz principal de la cinta, su participación fue tal que la película fue ampliamente vista (y comercializada) como un proyecto de Madonna.^[60]​ La película recibió una nominación para un Premio César a la mejor película extranjera y el crítico de cine Vincent Canby, de The New York Times, la consideró como una de las diez mejores películas de 1985.^[61]​ En abril de 1985, Madonna emprendió su primera gira musical por América del Norte, The Virgin Tour, con los Beastie Boys como su acto de apertura.^[62]​ Madonna comentó: «Toda la gira fue una locura, porque fui de cantar en locales pequeños como CBGB y el Mudd Club a presentarme en estadios deportivos. Actué en un pequeño teatro en Seattle y las chicas usaban faldas con solapas, medias que llegaban por debajo de sus rodillas, guantes de encaje, rosarios, moños y aretes de aros grandes. [...] Después de Seattle, todos los espectáculos fueron trasladados a estadios».^[63]​ En ese momento, lanzó dos sencillos más del álbum, «Angel» y «Dress You Up». En julio, las revistas Penthouse y Playboy publicaron una serie de fotografías en las que se mostraba a Madonna desnuda, las cuales habían sido tomadas en Nueva York en 1978 como fotografías artísticas, no destinadas a ninguna revista. Había posado para ellas porque necesitaba dinero en aquella época, aunque recibió sólo 25 dólares por la sesión.^[64]​ La publicación de las fotos causó un alboroto en los medios de comunicación, pero Madonna permaneció desafiante y sin remordimientos. Las fotografías se vendieron por más de 100 000 USD.^[64]​ En el concierto benéfico Live Aid de 1985, Madonna se refirió a esta experiencia cuando dijo que no se quitaría su chamarra porque «[los medios de comunicación] podrían reclamármelo dentro de diez años».^[65]​^[66]​

1986-1991: True Blue, ¿Quién es esa chica?, Like a Prayer y Dick Tracy

En junio de 1986, se lanzó True Blue, el tercer álbum de estudio de Madonna, el cual estuvo inspirado por y dedicado a Sean Penn. De este se deprendieron tres sencillos que alcanzaron el número uno del Billboard Hot 100: «Live to Tell», «Papa Don't Preach» y «Open Your Heart»; además de dos sencillos que se colocaron dentro de las primeras cinco posiciones de la misma lista: «True Blue» y «La isla bonita».^[45]​^[58]​ El álbum encabezó las listas de popularidad de más de 28 países del mundo, un logro sin precedentes en aquel tiempo y es el álbum de estudio más vendido de su carrera, con ventas mundiales de 25 millones de copias.^[67]​ Los críticos de la revista Rolling Stone quedaron impresionados con esta producción, al escribir que el álbum «suena como si saliera del corazón».^[68]​ Ese mismo año, Madonna también protagonizó la película Shanghai Surprise, que recibió varias críticas negativas, al mismo tiempo que hizo su debut teatral en una producción de David Rabe, Goose and Tom-Tom, ambas coprotagonizadas con Penn.^[69]​ Al año siguiente, se publicó el segundo largometraje de Madonna, ¿Quién es esa chica?. Aunque la película no fue bien recibida, la intérprete contribuyó con cuatro canciones a su banda sonora, destacando «Who's That Girl» y «Causing a Commotion».^[45]​ En junio de 1987, se embarcó en la gira Who's That Girl World Tour, que continuó hasta septiembre. Con respecto a la gira, Madonna comentó: «me di cuenta que podría dejar de ser arcilla sin moldear, y con el tiempo y con la ayuda de los demás, me podría convertir en algo más. Esta gira es el reflejo de esa creencia y es como si me dijera '¿Quién eres tú, chica? De ahí el nombre, algo nuevo para mí».^[70]​^[71]​ Más tarde ese año, lanzó un álbum de remezclas de éxitos pasados, titulado You Can Dance, que alcanzó el puesto 14 en el Billboard 200.^[72]​ Luego de una solicitud de divorcio anulada en diciembre de 1987, Madonna y Penn solicitaron el divorcio en enero de 1989, citando diferencias irreconciliables. El abogado de Madonna apuntó hacia el problema de alcoholismo de Penn y su carácter agresivo.^[73]​ De su matrimonio con Penn, Madonna dijo más tarde, «estaba completamente obsesionada con mi carrera y de ninguna manera estaba lista para ser generosa».^[54]​ En enero de 1989, Madonna firmó un acuerdo de respaldo con el fabricante de refrescos Pepsi. Su canción «Like a Prayer» debutó en uno de los comerciales de la empresa. El video musical correspondiente contó con muchos símbolos católicos, como los estigmas y cruces en llamas, así como un sueño sobre hacer el amor a un santo, lo que llevó al Vaticano a condenar el video. Varios grupos religiosos trataron de prohibir el comercial y boicotear los productos de Pepsi, quien retiró el comercial y canceló su contrato de patrocinio. Sin embargo, se le permitió a Madonna mantener su cuota de cinco millones de dólares por el comercial.^[25]​ La canción fue incluida en su cuarto álbum de estudio, Like a Prayer, que fue coescrito y coproducido por Patrick Leonard y Stephen Bray.^[74]​ El álbum recibió buenas críticas y Rolling Stone lo aclamó diciendo que era «...lo más cerca que la música pop puede estar del arte».^[75]​ Like a Prayer alcanzó el número uno en el Billboard 200 y vendió más de 15 millones de copias en todo el mundo, con cuatro millones de copias vendidas únicamente en Estados Unidos.^[44]​^[76]​ Seis sencillos fueron lanzados del álbum, destacando la canción homónima, que alcanzó el número uno en varios países; «Express Yourself» y «Cherish», que llegaron al número dos del Hot 100.^[45]​^[58]​ A finales de la década de 1980, Madonna fue nombrada como la «artista de la década» por varios medios de comunicación, tales como MTV, Billboard y Musician.^[77]​^[78]​^[79]​ Además, durante los primeros siete años de su carrera, a finales de la década de 1980, Madonna había vendido alrededor de 75 millones de discos en todo el mundo.^[80]​

En Like a Prayer estuve lidiando con problemas más específicos que significan mucho para mí. Tratan sobre la asimilación de experiencias que he tenido en mi vida y en mis relaciones. Son acerca de mi madre, mi padre y mi unión con mi familia, sobre el dolor de morir, de crecer y de dejar las cosas atrás. Fue un disco para madurarme emocionalmente. [...] Tuve que realizar una búsqueda muy profunda en mi alma y creo que [el álbum] es un reflejo de esto. —Madonna hablando sobre la inspiración detrás de Like a Prayer.[81]​[82]​

En 1990, Madonna actuó como Breathless Mahoney en la película Dick Tracy, al lado de Warren Beatty como protagonista.^[83]​ Para acompañar la película, lanzó la banda sonora I'm Breathless, que incluía canciones inspiradas por la temática de la película ambientada durante la década de 1930. También incluía el éxito «Vogue», que llegó al número uno en Estados Unidos^[84]​ y «Sooner or Later», este último le brindó al compositor Stephen Sondheim un Óscar a la mejor canción original en 1991.^[85]​ Mientras filmaba la película, Madonna comenzó una relación amorosa con Beatty, que se disolvió a finales de 1990.^[86]​^[87]​ En abril de 1990, comenzó su gira Blond Ambition World Tour, que continuó hasta agosto. Respecto a la gira, Madonna dijo «sé que no soy la mejor cantante y sé que no soy la mejor bailarina. Pero, puedo joder a la gente y ser tan provocativa como yo quiera. El objetivo de la gira es romper los tabúes inútiles».^[88]​ Rolling Stone le llamó una «extravagancia con coreografía elaborada y sexualmente provocativa» y lo proclamó «el mejor tour de 1990».^[89]​ La gira se encontró con la fuerte oposición de grupos religiosos por la interpretación de «Like a Virgin», durante la cual dos bailarines acariciaban su cuerpo antes de que ella simulara masturbarse.^[71]​ El Papa pidió al público en general y a la comunidad cristiana no asistir al concierto.^[90]​ Una asociación privada de católicos autodenominada Famiglia Domani también boicoteó la gira por su erotismo, mientras que el Vaticano la calificó como «uno de los espectáculos más satánicos en la historia de la humanidad».^[91]​ ^[92]​ En respuesta, Madonna comentó: «soy italo-estadounidense y estoy orgullosa de ello. [...] La gira de ninguna manera hiere los sentimientos de nadie. Es para gente de mente abierta y que le hacer percibir la sexualidad de manera diferente»; también declaró que la Iglesia «prohibió completamente el sexo... excepto para la procreación».^[93]​ Se grabó un concierto para ser lanzado en formato Laserdisc, el cual le brindó a Madonna un Premio Grammy en 1992 para el mejor vídeo musical de formato largo.^[94]​ En noviembre de 1990, se publicó el primer álbum de grandes éxitos de Madonna, titulado The Immaculate Collection. Este incluía dos canciones nuevas, «Justify My Love» y «Rescue Me».^[95]​ El álbum fue certificado con disco de diamante por la RIAA y vendió más de 30 millones de copias en todo el mundo, convirtiéndose en el álbum recopilatorio más vendido por un solista en la historia.^[55]​^[96]​ «Justify My Love» alcanzó el número uno en Estados Unidos y los diez primeros lugares en otros países alrededor del mundo.^[58]​^[97]​ El video musical realizado para su promoción contaba con escenas de sadomasoquismo, bondage, besos entre personas del mismo sexo y desnudez parcial.^[98]​^[99]​ El video fue considerado demasiado explícito sexualmente por MTV y su distribución fue prohibida. Madonna respondió a la censura: «¿Por qué será que la gente está dispuesta a ir a ver una película sobre alguien siendo golpeando sin razón aparente, y nadie quiere ver dos chicas besándose y dos hombres acariciándose? [...] MTV ha sido bueno conmigo y conocen a su audiencia. Si es demasiado fuerte para ellos, entiendo. Aunque parte de mi pensaba que iba a llegar lejos con esto».^[98]​^[100]​ En ese momento, el segundo sencillo «Rescue Me», se convirtió en el sencillo de una solista con el debut más alto en la historia del Billboard Hot 100, entrando en el número 15 y llegando hasta el número nueve.^[95]​ En diciembre de 1990, Madonna decidió dejar la película Boxing Helena de Jennifer Lynch, que previamente había firmado para protagonizar, sin ninguna explicación a los productores.^[101]​ Desde finales de 1990 hasta principios de 1991, Madonna salió con Tony Ward, un modelo y actor porno que apareció en los videos musicales para «Cherish» y «Justify My Love». También tuvo una relación de ocho meses con el rapero Vanilla Ice.^[102]​ Su primer documental, Madonna: Truth or Dare (conocido como En la cama con Madonna fuera de Norteamérica), fue lanzado a mediados de 1991. El documental narra su gira Blond Ambition World Tour y deja entrever la vida personal de la cantante.^[40]​

1992-1997: Maverick, Erotica, Sex, Bedtime Stories, Evita y maternidad

En 1992, Madonna obtuvo un papel en la película A League of Their Own como Mae Mordabito, una jugadora de béisbol. Además, grabó el tema principal de la película, «This Used to Be My Playground», que se convirtió en un éxito número uno en el Hot 100.^[58]​ Ese mismo año fundó su propia compañía de entretenimiento, Maverick, conformada por una compañía discográfica (Maverick Records), una productora de cine (Maverick Films) y varias divisiones asociadas a publicaciones musicales, televisión, libros y merchandising. El acuerdo fue una empresa conjunta con Time Warner, quien ya había pagado a Madonna un adelanto de 60 millones de dólares. La cantante recibía el 20% de las regalías provenientes de la venta y promoción de su música, uno de los porcentajes más altos en la industria, que igualó en ese momento la tasa de regalías de Michael Jackson, establecida un año antes con Sony.^[42]​ El primer lanzamiento de la empresa fue el primer libro escrito por ella misma, titulado Sex, el cual consistía en su mayor parte de imágenes sexualmente explícitas y provocativas, fotografiadas por Steven Meisel. El libro causó una fuerte reacción negativa en los medios de comunicación y el público en general, pero vendió 1,5 millones de ejemplares en cuestión de días.^[103]​^[104]​ Al mismo tiempo, Madonna lanzó su quinto álbum de estudio, Erotica, que debutó en el número dos en el Billboard 200.^[44]​^[104]​ La canción homónima alcanzó el número tres en el Billboard Hot 100.^[58]​ Erotica también produjo cinco sencillos más: «Deeper and Deeper», «Bad Girl», «Fever», «Rain» y «Bye Bye Baby».^[105]​ La imagen provocativa se convirtió en su sello personal, el cual continuó en la década de 1990 con Body of Evidence, una película que contenía escenas de sadomasoquismo y bondage, que recibió críticas negativas.^[106]​^[107]​ También protagonizó la película Dangerous Games (Juegos peligrosos), dirigida por Abel Ferrara, que en Norteamérica salió a la venta directamente en video. The New York Times describió la película como «furiosa y dolorosa, y el dolor se siente real».^[108]​ En septiembre de 1993, Madonna se embarcó en The Girlie Show World Tour, en el que se vistió como una dominatrix rodeada de bailarines en topless.^[109]​ El espectáculo enfrentó reacciones negativas, específicamente en Puerto Rico, donde Madonna frotó la bandera de la isla entre sus piernas.^[71]​ En marzo de 1994, apareció como invitada en el programa Late Show with David Letterman, donde utilizó palabras soeces que debían ser censuradas en la televisión y entregó a Letterman un par de ropa interior pidiéndole que la oliera.^[110]​ Sus películas, discos y el libro de temática sexual, aunado con la polémica aparición agresiva en el programa de Letterman, llevaron a identificar a Madonna como una renegada sexual. Se enfrentó a una intensa recepción negativa de críticos y aficionados, quienes comentaron que «había ido demasiado lejos» y que había terminado con su carrera.^[111]​ Según el biógrafo J. Randy Taraborrelli, la balada «I'll Remember» (1994), fue un intento de suavizar su imagen provocativa. La canción fue grabada para la película With Honors de Alek Keshishian.^[112]​ Hizo una aparición discreta junto a Letterman en un programa de premios y apareció en The Tonight Show con Jay Leno después de darse cuenta de que necesitaba cambiar su dirección musical para mantener su popularidad.^[113]​ Con su sexto álbum de estudio, Bedtime Stories (1994), Madonna utilizó una imagen más suave para volver a conectarse con el público en general.^[113]​ El álbum debutó en el número tres del Billboard 200 y produjo cuatro sencillos, incluyendo «Secret» y «Take a Bow», este último encabezó el Hot 100 por siete semanas consecutivas, el período más largo de un sencillo de Madonna.^[58]​ Al mismo tiempo, inició una relación amorosa con el entrenador personal, Carlos Leon.^[114]​ Something to Remember, una colección de baladas, fue publicado en noviembre de 1995. El álbum incluyó tres canciones inéditas: «You'll See», «One More Chance» y una versión del tema de Marvin Gaye, «I Want You».^[58]​^[115]​ En años posteriores, Madonna comentó que era muy aficionada a los álbumes lanzados entre Like a Prayer y Something to Remember, «aunque estoy de acuerdo en que todos estos álbumes fueron momentos clave para mí».^[116]​

«Este es el personaje para el que nací. Puse todo de mi parte porque era algo más que un papel de una película. Era tan emocionante e intimidante al mismo tiempo. Y fue lo más lejos que tuve que impulsar mi creatividad. En cada nivel, obtuve un gran aprendizaje. Y estoy más orgullosa de Evita que de cualquier otra cosa que hice». —Madonna hablando de la importancia de Evita y su papel como Eva Perón.[117]​

En 1996 tuvo lugar el estreno de la película Evita, en la que Madonna interpretó el papel de Eva Perón.^[118]​^[119]​ Durante mucho tiempo, Madonna había deseado personificar a Perón, e incluso escribió una carta al director Alan Parker, explicando el porqué era perfecta para el papel. Después de asegurarlo, asistió a clases de música para mejorar su voz y aprendió sobre de la historia de Argentina y Perón. Durante el rodaje cayó enferma muchas veces, comentando que «la intensidad de las escenas que hemos estado grabando, la cantidad de trabajo emocional y la concentración necesaria para terminar el día son tan agotadoras física y mentalmente, que estoy segura que tendré que ser hospitalizada cuando termine».^[120]​ Evita es un film histórico donde fueron necesarios casi 6 000 atuendos para las escenas. Madonna usó 370 trajes diferentes, fijando un récord Guinness por el mayor número de cambios de vestuario en una película.^[119]​ Después de su lanzamiento, Evita obtuvo el reconocimiento de la crítica. Zach Conner de la revista Time, comentó «es un alivio decir que Evita es realmente buena, un buen reparto y visualmente atractiva. Madonna confunde una vez más nuestras expectativas. Interpreta a Evita con un esfuerzo conmovedor y tiene algo más que un poco de calidad de una estrella. Ames u odies a Madonna-Eva, es un imán para los ojos».^[121]​^[122]​ Madonna ganó un Globo de Oro a la mejor actriz en un musical o comedia por su papel como Eva Perón.^[123]​ De la banda sonora de Evita se lanzaron varios sencillos, destacando «You Must Love Me» (que ganó un Óscar a la mejor canción original en 1997) y su versión de «Don't Cry for Me Argentina».^[124]​ El 14 de octubre de 1996, Madonna dio a luz a Lourdes Maria Ciccone Leon, su hija con Leon.^[125]​ Después del nacimiento de Lourdes, Madonna se involucró en el misticismo oriental y la Cábala, introducida a esta corriente por la actriz Sandra Bernhard en 1997.^[126]​

1998-2002: Ray of Light, Music y segundo matrimonio

El séptimo álbum de estudio de Madonna, Ray of Light (1998) reflejó un cambio en su percepción y su imagen.^[127]​ Comentó: «este disco, más que cualquier otro, cubre todas las áreas de la vida. Me había unido recientemente a la Cábala y había dejado a un lado la fiesta, además de que recién había tenido un bebé, por lo que mi alegría estaba completa, y me encontraba increíblemente reflexiva, pensando en retrospectiva e intrigada por los aspectos místicos de la vida».^[128]​ El álbum recibió buenas críticas y Slant Magazine lo describió como «una de las grandes obras maestras del pop de los años 1990».^[129]​ Ray of Light fue galardonado con cuatro premios Grammy y apareció como uno de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos según la revista Rolling Stone.^[130]​^[131]​ Llegó a la cima de las listas en Australia, Canadá, Reino Unido y Europa continental, el álbum también debutó en el número dos del Billboard 200 y vendió más de 20 millones de copias en todo el mundo.^[44]​^[132]​ El primer sencillo, «Frozen», se convirtió en el primer sencillo de Madonna que debutó en el número uno en la lista UK Singles Chart, mientras que en Estados Unidos se convirtió en su sexto sencillo número dos, dándole otro récord a Madonna como la artista con más éxitos que llegaron al número dos del Billboard Hot 100.^[58]​^[133]​ Sin embargo, la canción fue prohibida en Bélgica, por considerarse un plagio del tema de 1993, «Ma Vie fout L'camp», compuesto por el belga Salvatore Acquaviva.^[134]​ El segundo sencillo, «Ray of Light», debutó en el número cinco en el Billboard Hot 100.^[135]​ En diciembre de 1998, la relación de Madonna con Leon terminó; más tarde declaró que estaban «mejor como buenos amigos».^[136]​ Tras su ruptura, Madonna aceptó un papel como profesora de violín en la película Music of the Heart, pero abandonó el proyecto, alegando «diferencias creativas» con el director Wes Craven.^[137]​ El éxito de Ray of Light fue sucedido con el sencillo «Beautiful Stranger», grabada para la película de 1999, Austin Powers: The Spy Who Shagged Me. Alcanzó el número 19 en el Hot 100 y ganó un Grammy a la mejor canción escrita para una película, televisión u otro medio visual.^[58]​^[94]​ En 2000, Madonna protagonizó la película The Next Best Thing y contribuyó con dos canciones para la banda sonora: «Time Stood Still» y el éxito internacional «American Pie».^[138]​ En septiembre de 2000, lanzó su octavo álbum de estudio, Music, el cual contenía elementos de la época de Ray of Light, inspirado en la música electrónica y temáticas sobre su vida personal.^[139]​ Sobre su colaboración con el productor francés Mirwais Ahmadzaï, Madonna comentó: «me encanta trabajar con excéntricos que nadie conoce, las personas que tienen un talento crudo y que están haciendo música a diferencia de cualquier otro por ahí. Music es el futuro del sonido».^[139]​ Stephen Thomas Erlewine de Allmusic consideró que Music «es como un caleidoscopio de color, técnica, estilo y sustancia. Tiene tanta profundidad y tantos niveles que fácilmente puede ser considerado tan detallado y serio como Ray of Light».^[140]​ El álbum tomó la posición número uno en más de veinte países en todo el mundo y vendió cuatro millones de copias en los primeros diez días que estuvo a la venta.^[130]​ En Estados Unidos, Music debutó en el primer lugar y se convirtió en su primer álbum número uno en once años desde Like a Prayer.^[141]​ El álbum produjo tres sencillos: el éxito número uno «Music», «Don't Tell Me» y «What It Feels Like for a Girl».^[58]​ El video musical de «What it Feels Like for a Girl» mostraba a Madonna como una violenta asaltante anarquista que causaba choques y explosiones, por lo que fue prohibido por las cadenas MTV y VH1.^[142]​ Junto con el lanzamiento del álbum Music, Madonna se involucró en una relación sentimental con Guy Ritchie, a quien había conocido en 1999 a través de Sting y su esposa, Trudie Styler. El 11 de agosto de 2000, dio a luz a su hijo, Rocco Ritchie.^[143]​ En diciembre, Madonna y Guy Ritchie se casaron en una ceremonia privada en Escocia.^[144]​ Su quinta gira, titulada Drowned World Tour, comenzó en junio de 2001.^[71]​ La gira visitó ciudades en Europa y América del Norte y fue una de las giras más taquilleras del año, ganando 75 millones de dólares en 47 espectáculos.^[145]​ También lanzó su segunda colección de grandes éxitos, titulada GHV2, coincidiendo con el lanzamiento del DVD de la gira. GHV2 debutó en el número siete en el Billboard 200.^[146]​ En 2002, Madonna protagonizó la película Swept Away, dirigida por Ritchie. En el Reino Unido la película fue lanzada directamente en formato DVD, pero se convirtió en un fracaso comercial y crítico.^[147]​ Ese mismo año, se publicó el sencillo «Die Another Day», banda sonora de la película de James Bond, Die Another Day, en el que Madonna hizo un cameo. La canción suscitó reacciones dispares: alcanzó el número ocho en el Billboard Hot 100 y fue nominada para un Globo de Oro a la mejor canción original, pero también fue candidata a un Golden Raspberry en la categoría de peor canción.^[58]​^[148]​

2003-2006: American Life, libros infantiles y Confessions on a Dance Floor

En 2003, tras el lanzamiento de «Die Another Day», Madonna colaboró con el fotógrafo de moda Steven Klein para realizar una instalación llamada «X-STaTIC Pro = CeSS». Esta incluía imágenes de una sesión de fotografías de la revista W y siete segmentos de vídeo. La instalación duró desde marzo hasta mayo en la galería Deitch Projects de Nueva York, aunque después realizó una gira mundial en una forma editada.^[149]​ Ese mismo año, Madonna lanzó su noveno álbum de estudio, American Life, que se basa en sus observaciones hacia la sociedad estadounidense y recibió críticas mixtas.^[150]​ La intérprete comentó: «[American Life] era como un viaje al baúl de los recuerdos, volteando hacia todo lo que he logrado, todo lo que alguna vez he valorado y todas las cosas que son importantes para mí».^[151]​ Larry Flick de The Advocate consideró que «American Life es un álbum que se encuentra entre los más aventureros y líricamente inteligentes. [...] Es como la cara B de Music y resulta ser un esfuerzo a medias para sonar y ser tomada en serio».^[151]​^[152]​ La canción homónima alcanzó el número 37 en el Hot 100.^[58]​ La emisión del vídeo musical original de «American Life» fue cancelada debido a que Madonna creyó que el vídeo, que incluía violencia e imágenes de guerra, se consideraría antipatriota dado que Estados Unidos acababa de iniciar la guerra con Irak.^[153]​ Con sólo cuatro millones de copias vendidas en todo el mundo, American Life es el disco menos vendido de su carrera.^[154]​ Más tarde en ese año, Madonna dio una presentación provocativa en los MTV Video Music Awards, interpretando el segundo sencillo de su nuevo álbum, «Hollywood», al lado de Britney Spears, Christina Aguilera y Missy Elliott. Madonna besó en los labios a Spears y Aguilera durante la canción, desencadenando un frenesí en los tabloides.^[155]​^[156]​ En octubre de 2003, Madonna colaboró con Spears en el sencillo «Me Against the Music».^[157]​ A esto le siguió el lanzamiento de Remixed & Revisited, un EP que contiene versiones remezcladas de las canciones de American Life, además de incluir «Your Honesty», un tema inédito de las sesiones de grabación de Bedtime Stories.^[158]​ Madonna también firmó un contrato con Callaway Arts & Entertainment para ser la autora de cinco libros infantiles. El primero de estos libros, titulado The English Roses, fue publicado en septiembre de 2003. El libro narra la historia de cuatro colegialas inglesas y la envidia y celos que sienten entre sí.^[159]​ Kate Kellway de The Guardian comentó «[Madonna] es una actriz interpretando algo que nunca podrá ser: una J. K. Rowling, una rosa inglesa».^[160]​ El libro debutó en la cima de la lista de los libros más vendidos de The New York Times y se convirtió en uno de los libros para niños más vendidos de todos los tiempos.^[161]​ Al año siguiente, Madonna y Maverick demandaron a Warner Music Group y su anterior casa matriz Time Warner, alegando una mala gestión de los recursos y una contabilidad pobre, que costó a la empresa millones de dólares. A cambio, Warner presentó una contra demanda argumentando que Maverick había perdido decenas de millones de dólares por cuenta propia.^[162]​^[163]​ La disputa se resolvió cuando las acciones de Maverick, propiedad de Madonna y Ronnie Dashev, fueron compradas por Warner. La compañía de Madonna y Dashev se convirtió en una subsidiaria de Warner Music, pero Madonna aún se encontraba bajo el sello de Warner, en virtud de un contrato de grabación independiente.^[162]​ A mediados de 2004, Madonna comenzó la gira Re-Invention World Tour, presentándose en Estados Unidos, Canadá y Europa. Se convirtió en la gira más taquillera de 2004, ganando 125 millones de dólares.^[164]​ Con las grabaciones de los conciertos de la gira, se realizó un documental denominado I'm Going to Tell You a Secret.^[165]​ Ese mismo año, Rolling Stone clasificó a la cantante en el número 36 en su lista de los «100 mejores artistas de todos los tiempos».^[166]​ En enero de 2005, Madonna realizó una versión de la canción de John Lennon, «Imagine», en la ayuda por el tsunami del océano Índico,^[167]​ además de presentarse en el concierto benéfico Live 8 en Londres.^[168]​

«Traté diferentes cosas hasta que Stuart [el productor Stuart Price] me trajo música. Y fue como una inspiración divina. Simplemente acertó, como si dijera: "Esta es la dirección de mi disco". Esa fue nuestra intención, crear un disco que pudieras escuchar en una fiesta o en tu auto, donde no tienes que saltarte una balada. Es imparable». —Madonna hablando de Confessions on a Dance Floor.[169]​

Su décimo álbum de estudio, Confessions on a Dance Floor, fue lanzado en noviembre de 2005 y debutó en el número uno en todos los mercados musicales más importantes.^[170]​ Las canciones en el álbum comenzaban con un ambiente feliz, y mientras avanzaba se volvían más intensas, con letras que hablaban más sobre sentimientos personales, por lo tanto «confesiones».^[170]​ Keith Caulfield de Billboard comentó que el álbum era «el regreso de la Reina del Pop».^[171]​ El álbum ganó un premio Grammy por mejor álbum de dance/electrónica.^[94]​ El primer sencillo del álbum, «Hung Up», llegó al número uno en un récord de 41 países, ganando un lugar en el Libro Guinness de los récords.^[8]​ «Sorry», el segundo sencillo, se convirtió en el duodécimo número uno de Madonna en el Reino Unido.^[59]​ De esta manera, en mayo de 2006 se embarcó en la gira Confessions Tour, que tuvo una audiencia global de 1,2 millones de personas y recaudó más de 193,7 millones de dólares.^[172]​ Madonna utilizó símbolos religiosos, como el crucifijo y la corona de espinas, en la presentación de «Live to Tell», causando que la Iglesia ortodoxa rusa y la Federación de comunidades judías de Rusia instaran a todos sus miembros a boicotear su concierto.^[173]​ El Vaticano también protestó por el concierto, como hicieron los obispos de Düsseldorf.^[174]​ Madonna respondió: «mi presentación no es ni anticristiana, ni sacrílega ni blasfema. Por el contrario, es mi forma de pedir a la humanidad a ayudarnos unos a otros y ver el mundo como un todo».^[175]​ En el mismo año, la Federación Internacional de la Industria Fonográfica anunció que Madonna había vendido oficialmente más de 200 millones de copias de sus álbumes en todo el mundo.^[176]​ Mientras estaba de gira, Madonna participó en la iniciativa Raising Malawi, al financiar parcialmente un orfanato y viajar a ese país.^[177]​ El 10 de octubre de 2006, presentó los documentos para la adopción de un niño del orfanato, David Banda Mwale, más tarde renombrado David Banda Mwale Ciccone Ritchie.^[178]​ La adopción ocasionó una fuerte reacción del público, porque la ley malauí señala que las parejas aspirantes deben residir por lo menos un año en Malaui antes de adoptar, requisito que Madonna no cumplió.^[179]​ La cantante se defendió en The Oprah Winfrey Show, diciendo que no existían leyes de adopción en Malaui que regularan la adopción por parte de extranjeros. Además, describió cómo Banda había sufrido de neumonía después de sobrevivir a la malaria y a la tuberculosis cuando lo conoció.^[180]​ El padre biológico de Banda, Yohane, comentó: «Los llamados 'activistas por los derechos humanos' me están hostigando a diario, amenazándome y diciendo que no soy consciente de lo que estoy haciendo. [...] Me solicitan para defender su caso en la corte, una cosa que no puedo hacer porque sé lo que acordé con Madonna y su marido».^[181]​ La adopción finalizó el 28 de mayo de 2008.^[182]​ En 2006, la cantante lanzó a nivel internacional una línea de ropa titulada M by Madonna, en colaboración con la empresa sueca H&M.^[183]​ La colección constaba de abrigos de piel, vestidos con lentejuelas, pantalones capri color crema y chaquetas con parches. H&M expresó que la colección refleja «el estilo atemporal y siempre glamoroso de Madonna».^[184]​

2007-2009: Live Nation y Hard Candy

En 2007, Madonna lanzó la canción «Hey You» para la serie de conciertos de Live Earth, presentándose en Londres. La canción estuvo disponible como una descarga gratuita durante su primera semana de lanzamiento.^[185]​ Madonna anunció su salida de Warner Bros. Records, al firmar un nuevo contrato con Live Nation de 120 millones de dólares por diez años.^[5]​ También produjo y escribió I Am Because We Are, un documental sobre los problemas que enfrenta la población malauí. El documental fue dirigido por Nathan Rissman, que previamente trabajó como jardinero de la cantante.^[186]​ Poco después, Madonna dirigió su primera película Filth y Wisdom. La película narra la historia de tres amigos y sus aspiraciones. Madonna comentó que fue Ritchie quien la inspiró a desarrollar el guion de la película. «Lo que importa es que todo el trabajo que hago es muy autobiográfico, directa o indirectamente, ya que ¿quién me conoce mejor que yo misma?»^[187]​ The Times dijo que se había puesto «orgullosa de sí misma», mientras que The Daily Telegraph describió la película como «un primer esfuerzo poco prometedor [pero que] Madonna haría bien en aferrarse a su trabajo».^[188]​^[189]​ En diciembre de 2007, el Salón de la Fama del Rock anunció a Madonna como una de los cinco inducidos de 2008.^[190]​ En la ceremonia de inducción el 10 de marzo de 2008, Madonna no cantó, pero pidió a The Stooges interpretar los temas «Burning Up» y «Ray of Light».^[191]​ En su discurso, agradeció a Christopher Flynn, su profesor de danza de 35 años atrás, por darle el ánimo para perseguir sus sueños.^[192]​

«Es probable que en muchos aspectos, la mayoría de las canciones [en Hard Candy] lo son [autobiográficas]. Pero de una manera más inconsciente. Realmente no pienso en contar historias personales cuando escribo música. Simplemente se da. Y entonces muchas veces, seis meses después, ocho meses más tarde, digo, "Oh, escribí esa canción acerca de eso". Pero eso es cuando toco la canción para mucha gente y todos dicen "me puedo relacionar totalmente con eso"». —Madonna hablando acerca de las inspiraciones detrás de Hard Candy.[193]​

En abril de 2008, Madonna lanzó su undécimo álbum de estudio, Hard Candy. El disco contenía influencias de géneros como R&B y pop urbano y las letras eran de naturaleza más autobiográfica, además de que Madonna colaboró con Justin Timberlake, Timbaland, Pharrell Williams y Nate «Danja» Hills.^[194]​ Rolling Stone lo elogió como una «muestra impresionante de su próxima gira».^[195]​ El álbum debutó en el número uno en las listas de 37 países y en el Billboard 200.^[196]​^[197]​ Recibió buenas críticas en todo el mundo, aunque algunos críticos lo señalaron como «un intento de alcanzar el mercado urbano».^[198]​^[199]​ Su primer sencillo, «4 Minutes», alcanzó el número tres en el Billboard Hot 100. La canción fue el 37° éxito top ten de Madonna en el Hot 100, superando el récord de más éxitos en el top ten establecido por Elvis Presley.^[200]​ En el Reino Unido, Madonna obtuvo el récord de más sencillos número uno para una solista cuando «4 Minutes» se convirtió en su 13^er sencillo en llegar a la cima de la lista UK Singles Chart.^[201]​ Después de lanzar el segundo sencillo del disco, «Give it 2 Me», Madonna se embarcó en el Sticky & Sweet Tour, su primera gira emprendida con Live Nation. Con una recaudación neta de 280 millones de dólares, se convirtió en la gira con mayores ingresos para un solista, superando el récord anterior impuesto por ella misma con el Confessions Tour.^[202]​ La gira se extendió hasta el año siguiente, después de agregar nuevas fechas europeas, sumando un total de 408 millones de dólares.^[202]​^[203]​ Life with my Sister Madonna, un libro escrito por el hermano de Madonna, Christopher Ciccone, debutó en el número dos en la lista de los más vendidos de The New York Times.^[204]​ La publicación no fue autorizada por Madonna y condujo a un distanciamiento entre los hermanos.^[205]​ También surgieron problemas entre Madonna y Ritchie y los medios de comunicación comenzaron a difundir la noticia de que estaban a punto de separarse. En última instancia, Madonna pidió el divorcio de Ritchie, citando diferencias irreconciliables, en un proceso que finalizó en diciembre de 2008.^[206]​^[207]​ Madonna fue honrada con el Premio de oro para la artista internacional del año, en los Gold Disc Awards entregados por la Recording Industry Association of Japan, por su álbum Hard Candy.^[208]​ En 2009, decidió adoptar otro niño de Malaui. Inicialmente, la Corte Suprema aprobó la adopción de Chifundo «Mercy» James;^[209]​ sin embargo, la solicitud fue rechazada porque Madonna no residía en Malaui.^[210]​ Tras la apelación hecha por sus abogados, el 12 de junio de 2009 el Tribunal Supremo de Malaui le otorgó el derecho de adoptar a Mercy James.^[211]​ Ese mismo año se publicó Celebration, su tercer álbum de grandes éxitos y la liberación de su contrato con Warner Music. La recopilación incluyó dos nuevas canciones «Celebration» y «Revolver», junto con 34 éxitos que abarcaban toda su carrera.^[212]​ Una remezcla de «Revolver» realizada por David Guetta ganó un premio Grammy a la mejor remezcla.^[213]​ Celebration alcanzó el número uno en el Reino Unido, empatando con Elvis Presley como el solista con más álbumes número uno en la historia británica.^[214]​ También apareció en los MTV Video Music Awards 2009, para hablar en homenaje a la recién fallecida estrella del pop Michael Jackson.^[215]​ Madonna terminó la década de 2000 como la artista con más sencillos vendidos en los Estados Unidos.^[216]​ También fue nombrada como la artista más escuchada de la década en el Reino Unido.^[217]​

2010-2013: W.E., Super Bowl y MDNA

En enero de 2010, Madonna interpretó «Like a Prayer» en el concierto Hope for Haiti Now: A Global Benefit for Earthquake Relief.^[219]​ En abril lanzó su tercer álbum en vivo, Sticky & Sweet Tour; aunque fue su primer lanzamiento bajo Live Nation, fue distribuido internacionalmente por Warner Music.^[220]​ Ese mismo año anunció sus planes para dirigir su segunda película, W.E..^[221]​ Tras la conclusión del rodaje, Madonna lanzó la línea de ropa Material Girl, que diseñó con su hija Lourdes.^[222]​ Esta la línea de ropa estaba inspirada por la moda de la década de 1980 y fue lanzada bajo la marca Macy's; meses más tarde, la marca se extendió para incluir un juego de cosméticos y otros productos femeninos.^[222]​^[223]​ Asimismo, Madonna concedió los derechos de su catálogo musical al programa de la televisión estadounidense Glee, que se utilizaron para un episodio en el que se incluyeron únicamente canciones de Madonna.^[224]​ Titulado «The Power of Madonna», el episodio fue aprobado por la propia cantante, diciendo en la revista US Weekly que encontró el episodio «brillante en todos los niveles», alabando las coreografías y el mensaje de igualdad que transmitía.^[225]​ En noviembre de 2010, Madonna también inauguró el primer gimnasio de la franquicia Hard Candy Fitness, una asociación entre Madonna, su administrador Guy Oseary y Mark Mastrov, el fundador y director ejecutivo de 24 Hours Fitness.^[226]​ Madonna comentó que «si alguno de ustedes ha visto mis espectáculos, sabe que no escatimo en gastos, y lo mismo se aplica al gimnasio. Gastamos lo que se necesita para hacer un gimnasio de primera clase a nivel mundial».^[227]​ En 2011 W.E., una película biográfica sobre el romance entre el rey Eduardo VIII y Wallis Simpson, se estrenó durente el Festival de Venecia y recibió críticas mixtas.^[228]​^[229]​ Madonna contribuyó con una nueva canción titulada «Masterpiece» para la banda sonora de W.E., compuesta por ella misma, Julie Frost y Jimmy Harry, por la que recibió un Globo de Oro a mejor canción original.^[230]​ En diciembre de 2011, se reveló que la cantante había firmado un contrato por tres discos con Interscope Records, el cual actuaría como distribuidor.^[231]​ El 5 de febrero de 2012 Madonna se presentó durante el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl XLVI,^[218]​ dirigido y producido por el Cirque Du Soleil y Jamie King, con LMFAO, Nicki Minaj, M.I.A. y Cee Lo Green como artistas invitados. En ese entonces se convirtió el espectáculo de medio tiempo más visto en la historia con más de 114 millones de televidentes, más que el mismo partido.^[232]​ Su décimo segundo álbum de estudio, MDNA, se publicó en marzo de 2012. Para su producción, Madonna se reunió con William Orbit, además de una variedad de productores como Martin Solveig, The Demolition Crew, Benny Benassi, Alle Benassi, Indiigo y Michael Malih.^[233]​ El álbum recibió críticas en su mayoría positivas.^[234]​ Priya Elan de NME lo calificó como «un juego ridículamente disfrutable», pues citó sus «cosas psicóticas e iluminadoras» como «algo de lo más visceral que ha hecho en su carera».^[235]​ MDNA debutó en la primera posición del Billboard 200 y en muchos otros países.^[236]​ Madonna rompió el récord de Elvis Presley por ser el solista con más álbumes en la primera posición en el Reino Unido.^[237]​ El primer sencillo fue «Give Me All Your Luvin'», con Nicki Minaj y M.I.A. como artistas invitadas, que extendió el récord de Madonna a 38 sencillos dentro de las diez primeras posiciones en el Billboard Hot 100.^[238]​ Más tarde, Madonna fue criticada por su presentación en el Ultra Music Festival en Miami, Florida por su referencia al uso de drogas mientras saludaba a la audiencia.^[239]​ The MDNA Tour, que sirvió para promocionar el álbum, comenzó en mayo de 2012 en Tel Aviv, Israel.^[240]​ Madonna lo describió como «un viaje de la oscuridad a la luz».^[241]​ La gira fue bien recibida, pero tocaba muchos temas polémicos como la violencia, las armas, los derechos humanos, desnudez y política.^[242]​^[243]​ Incluso la intérprete recibió demandas. La gira fue un éxito comercial y varias fechas se agotaron en cuanto los boletos salieron a la venta. Billboard lo nombró el tour más exitoso de 2012. The MDNA Tour recaudó US$ 305,2 millones de 88 conciertos totalmente vendidos, la novena gira de conciertos más recaudadora de la historia, y superó a Taking Chances Tour de Celine Dion como el segundo tour más exitoso para una solista, sólo detrás de Sticky & Sweet Tour.^[244]​^[245]​ Gracias a esto, ganó los premios de «Mejor artista de gira», «Mejor artista dance» y «Mejor álbum dance» en los Billboard Music Awards de 2013.^[246]​ Además, en agosto de 2013, Forbes nombró a Madonna la celebridad con más ingresos del año, luego de ganar más de US$ 125 millones por la gira.^[247]​ En conjunto con el fotógrafo Steven Klein, Madonna grabó un cortometraje de 17 minutos llamado secretprojectrevolution.^[248]​ La compañía BitTorrent lo publicó en septiembre de 2013, junto con la opción de realizar una donación para adquirir las versiones HD y 2K del filme, una entrevista que concedió a la revista VICE y un mensaje grabado por Madonna.^[249]​ Junto con el corto, Madonna también lanzó la iniciativa Art for Freedom, la cual ayuda a promover «el arte y la libertad de expresión como un medio para hacer frente a la persecución y la injusticia en todo el mundo».^[250]​ Como parte de la iniciativa, eligió a la cantante Katy Perry y al ilusionista David Blaine como curadores.^[251]​ Desde su lanzamiento en septiembre de 2013, Art For Freedom ha recibido más de 3000 presentaciones en el mundo a través de su página oficial y sus plataformas de medios sociales.^[252]​ Para 2013, se reportó que la fundación Raising Malawi había construido diez escuelas para educar a 4000 niños del país, con un valor estimado de USD 400 000.^[253]​ Cuando la cantante visitó las escuelas en abril de 2013, la entonces presidenta de Malaui, Joyce Banda, la criticó y acusó de exagerar sus contribuciones al país.^[254]​ Banda se refirió a la cantante como abusiva y la acusó de exigir un trato especial durante su visita.^[254]​ Los representantes de Madonna negaron estas acusaciones y alegaron un «resentimiento» contra ella y la fundación.^[254]​ Madonna emitió un comunicado manifestando su tristeza sobre los comentarios «falsos» de Banda.^[255]​ Luego, se confirmó que Banda no había aprobado la declaración emitida por parte de su equipo de prensa −donde se acusaba a Madonna de abusiva− y que estaba «incandescente de ira» sobre la confusión.^[256]​

2014-presente: Rebel Heart y otros proyectos

A principios de 2014, la intérprete realizó varias apariciones mediáticas: hizo una aparición sorpresa en la 56.ª entrega de los premios Grammy el 26 de enero e interpretó «Open Your Heart» al lado de Macklemore, Ryan Lewis y Mary Lambert, quien interpretó el sencillo «Same Love», mientras 33 parejas contraían matrimonio en el escenario, que fue oficiado por Queen Latifah.^[257]​ Días después, acompañó a la cantante Miley Cyrus en su MTV Unplugged, donde Madonna cantó su tema «Don't Tell Me» en un mash up con la canción de Cyrus, «We Can't Stop».^[258]​^[259]​ En febrero de 2014, extendió sus proyectos empresariales y presentó MDNA Skin, una gama de productos para el cuidado de la piel, en Tokio, Japón.^[260]​ En mayo, tras visitar su ciudad natal de Detroit, hizo donaciones a tres organizaciones benéficas dedicadas a erradicar la pobreza. Según su publicista, las mismas representaron «la primera fase de un compromiso a largo plazo con la ciudad».^[261]​ La propia Madonna dijo que «era obvio que tenía que involucrarme y ser parte de la solución para ayudar a Detroit a recuperarse».^[262]​

«¡Esto es una violación artística! La mitad de esos demos ni siquiera estarán en mi disco y la otra mitad han cambiado y evolucionado. Esto es una forma de terrorismo. ¿Por qué quiere la gente destrozar un proceso artístico? ¿Por qué roban? ¿Por qué no me dan la oportunidad de finalizar y ofrecer lo mejor de mí?» —Madonna hablando sobre las canciones filtradas de Rebel Heart. El uso de términos como «violación» y «terrorismo» causó controversia en los medios de comunicación.[263]​[264]​

Madonna también comenzó a trabajar en su decimotercer álbum de estudio con colaboradores como Avicii, Diplo y Natalia Kills.^[265]​^[266]​ En diciembre, The New York Times informó que había sido elegida como el rostro de Versace para su campaña de primavera/verano 2015.^[267]​ Ese mismo mes, trece maquetas de canciones de su nuevo álbum se filtraron en Internet; la artista respondió que la mitad de los temas no serían utilizados en la versión final.^[264]​ Su decimotercer disco de estudio, Rebel Heart, salió al mercado el 10 de marzo de 2015.^[268]​ Según la propia cantante, la introspección fue uno de los temas predominantes durante el desarrollo del álbum.^[269]​ Tras su lanzamiento, recibió reseñas positivas por parte de los críticos musicales; muchos de ellos lo llamaron su «mejor esfuerzo en una década».^[270]​ Rebel Heart se convirtió en el primer álbum de Madonna en no alcanzar la primera posición del Billboard 200 desde 1998, pero alcanzó el número uno en otros mercados musicales importantes, entre ellos Australia, Canadá, Alemania e Italia.^[271]​ Del álbum se desprendieron los sencillos «Living for Love», «Ghosttown» y «Bitch I'm Madonna». Con Rebel Heart, estableció varios récords mundiales, entre ellos ser el acto musical con la mayor cantidad de números uno acumulados en la lista Hot Dance Club Songs de Billboard, con «Bitch I'm Madonna» convirtiéndose en su 46.º número 1.^[272]​ En septiembre de ese mismo año, dio inicio a la gira Rebel Heart Tour en la ciudad de Montreal, Canadá.^[273]​ La gira duró hasta marzo de 2016 y viajó por toda América del Norte, Europa y Asia, y fue la primera visita de la cantante a Australia en 23 años.^[274]​^[275]​ El espectáculo contó con la apreciación crítica, quienes elogiaron a la artista por tener un «humor feliz» en los conciertos, así como la incorporación de sus primeros éxitos.^[276]​^[277]​ Con 82 conciertos, Rebel Heart Tour recaudó 169,8 millones USD con más de un millón de entradas vendidas, por lo que Madonna extendió su récord como el solista en gira con mayores ingresos de todos los tiempos.^[278]​ Durante la gira, Madonna se vio envuelta en una batalla legal con su exesposo Guy Ritchie, por la custodia de su hijo Rocco.^[279]​ La disputa comenzó cuando el Rebel Heart Tour visitó Londres, donde Rocco decidió quedarse en la ciudad viviendo con su padre, mientras que Madonna quería que regresara con ella.^[279]​ Las audiencias tuvieron lugar en Nueva York y Londres; después de varias deliberaciones, la artista decidió retirar su solicitud de custodia y llegar a un acuerdo con Ritchie.^[279]​^[280]​ En octubre de 2016, Billboard condecoró a Madonna como «Mujer del Año» en su gala anual Women in Music.^[281]​^[282]​ Su discurso en la ceremonia, que fue descrito como «emotivo» y «contundente [y] brutalmente honesto», recibió amplia cobertura en los medios de comunicación.^[281]​^[282]​^[283]​ Un mes después, Madonna fue una de las artistas que se opusieron a la candidatura de Donald Trump y apoyaron abiertamente a Hillary Clinton en su campaña por la presidencia de los Estados Unidos. El 7 de noviembre, la cantante realizó una presentación al aire libre en el Washington Square Park de Nueva York para demostrar su apoyo a Clinton. En dicha ocasión, interpretó sus temas «Like a Prayer», «Express Yourself», «Don't Tell Me» y «Rebel Heart», así como versiones de «Imagine» e «If I Had a Hammer».^[284]​^[285]​ Un día después de que Trump fuese electo como presidente, Madonna publicó en su cuenta de Instagram un video con las leyendas «¡No pierdan la esperanza!. ¡Nos levantaremos!».^[286]​ El 21 de enero de 2017, hizo una aparición sorpresa en la marcha de las mujeres en Washington donde, tras interpretar «Express Yourself» y «Human Nature», ofreció un discurso en el que reveló que había «pensado en hacer explotar la Casa Blanca».^[287]​ Dicho discurso creó gran controversia en los medios de comunicación, con algunas personalidades como Cindy Lauper criticándola y muchos simpatizantes republicanos pidiendo que fuese investigada por el FBI.^[288]​ Newt Gingrich, vocero en la Casa Blanca, pidió arresto contra la cantante llamándola parte de un «fascismo emergente de izquierda».^[289]​ El mismo Trump la calificó como «repugnante».^[290]​ La cantante se defendió diciendo que sus palabras habían sido «ferozmente sacadas de contexto [...] No soy una persona violenta, no promuevo la violencia y es importante que la gente escuche y comprenda mi discurso en su totalidad».^[291]​ En febrero de 2017, Madonna obtuvo el permiso por parte de una corte de Lilongüe para adoptar a dos niñas, las gemelas de 4 años Esther y Stella.^[292]​ En el verano del mismo año se mudó a Lisboa, Portugal con sus hijos adoptivos y reveló que sus próximos proyectos incluían una adaptación cinematográfica de la novela de Andrew Sean Greer, The Impossible Lives of Greta Wells; tentativamente titulada Loved, la cinta retrataría la relación del protagonista y su hermano homosexual.^[293]​^[294]​ El 8 de diciembre, se presentó en el programa estadounidense Live with Kelly and Ryan para promocionar su línea MDNA Skin. Durante esta aparición, los entrevistadores Ryan Seacrest y Kelly Ripa le preguntaron cuando volvería a lanzar nueva música, a lo que la cantante contestó que tenía «novedades» preparadas para 2018. Cuestionada por el periodista Anderson Cooper sobre una posible nueva gira, respondió que «en 2017 fui madre, pero en el 2018 volveré».^[295]​

Obra

Estilo musical

La música de Madonna ha sido objeto de muchos análisis y trabajos por parte de los críticos. Robert M. Grant, autor del libro Contemporay Strategy Analysis (2005), comentó que lo que había llevado a Madonna al éxito «ciertamente no era su excepcional talento natural. Como vocalista, música, bailarina, cantante o actriz, el talento de Madonna parece modesto».^[297]​ Afirma que su éxito radica en depender de los talentos de los demás, y que sus relaciones personales han servido como piedras angulares para las numerosas reinvenciones que ha hecho en su larga carrera.^[297]​ Por el contrario, Rolling Stone nombró a Madonna como «una compositora ejemplar que entregó letras pegadizas e indelebles, y como lo atestiguan sus espectáculos en vivo, es mejor como una cantante de estudio».^[40]​ Mark Bego, autor de Madonna: Blond Ambition la llamó «la perfecta vocalista de canciones 'más ligeras que el aire'», a pesar de no poseer un «talento de peso pesado».^[298]​ Madonna siempre ha sido consciente de la calidad de su voz, especialmente en comparación con sus ídolos vocales como Ella Fitzgerald, Prince y Chaka Khan.^[299]​ Según Freya Jarman-Ivens, el talento de Madonna para desarrollar «hooks increíbles» para sus canciones, permite que la letra capte la atención de la audiencia, incluso sin la influencia de la música. Como ejemplo, Jarman-Ivens cita el sencillo de 1985 «Into the Groove» y su frase «Live out your fantasy here with me, just let the music set you free; Touch my body, and move in time, now I know you're mine» (en español: «vive tu fantasía aquí conmigo, deja que la música te libere; toca mi cuerpo y muévete al ritmo, ahora sé que eres mío»).^[300]​ De 1983 a 1986, las producciones musicales de Madonna solían ser de naturaleza femenina e ingenua, centrándose principalmente en temas como las relaciones amorosas, el romance, la pasión y noviazgos.^[300]​ Esto cambió con el álbum Like a Prayer, cuando las letras se hicieron mucho más personales, como en «Promise to Try», que hace referencia al dolor persistente en Madonna por la pérdida de su madre.^[300]​ Las letras de Madonna a menudo sugieren una identificación con la comunidad gay. Fouz cree que cuando Madonna canta «Vamos chicas, ¿creen en el amor?» en «Express Yourself», se dirige a las mujeres heterosexuales y a su audiencia homosexual.^[300]​ Incluso en la era de Erotica, cuyas letras están orientadas hacia temas más adultos, las canciones aun son simples e ingenuas («¿Entonces no vas a bajar, adentro donde hace calor», «Where Life Begins» de Erotica). La capacidad de composición de Madonna ha sido constantemente criticada. Por ejemplo, Maria Raha de Rolling Stone califica sus letras como «frívolas y para nada sofisticadas. Madonna sólo puede traer un baúl lleno de letras triviales que hablan de la gran tradición de la música pop, el amor; cuando no está cantando sobre el amor, está cantando sobre la fiesta y el baile».^[301]​ Sus letras fueron consideradas banales y su capacidad de composición fue ignorada por la crítica hasta el lanzamiento de Ray of Light y Music. Según Jarman-Ivens, letras de canciones como «Estás congelado, cuando tu corazón no está abierto» («Frozen», 1998) y «No puedo recordar cuando era joven, no puedo expresar si fue un error» («Paradise (Not for Me)», 2000) reflejan una paleta artística, «que abarca diversos estilos musicales, textuales y visuales en sus letras.»^[300]​ En su álbum debut de 1983, las habilidades vocales y la personalidad artística de Madonna no estaban totalmente formadas. Su estilo vocal y las letras eran similares a las de otras estrellas del pop de la década de los 80, como Paula Abdul, Debbie Gibson y Taylor Dayne.^[299]​ Las canciones de Madonna revelan varias tendencias claves que continuamente definieron sus éxitos, incluyendo un lenguaje fuertemente basado en los bailes, letras pegadizas, arreglos muy trabajados y el estilo vocal único de Madonna. En canciones como «Lucky Star» y «Borderline», Madonna presentó un estilo de música dance optimista que resultaría particularmente atractivo para el público homosexual. El timbre vocal femenino y agudo de los primeros años de su carrera fue eliminado de sus trabajos posteriores, un cambio efectuado de manera deliberada, por el hecho de que Madonna aún recuerda cómo los críticos la habían etiquetado como una «Minnie Mouse con helio», debido al timbre de su voz.^[299]​ Su segundo álbum, Like a Virgin (1984), contenía los precursores de varias tendencias que caracterizaron sus obras posteriores: referencias a obras clásicas (como el pizzicato en sintetizador de «Angel»), canciones que generarían una reacción negativa de varios grupos sociales («Dress You Up» fue marcada en la lista negra del Parents Music Resource Center), y estilos retro («Shoo-Bee-Doo», homenaje de Madonna a Motown).^[299]​ El estilo inicial de Madonna y el cambio que realizó es más evidente en la canción «Material Girl». La melodía comienza con Madonna utilizando la voz de una niña pequeña, pero tras el primer verso, cambia a una voz de una mujer rica y más madura.^[299]​ Esta maduración artística fue más visible en True Blue (1986). La canción «Papa Don't Preach» fue un hito importante en su carrera artística. La introducción clásica, el tempo rápido y su voz más grave no tenían precedentes en la obra de Madonna.^[299]​

«[Madonna] es una compositora brillante de melodías y letras pop. Me dejó anonadado [durante las sesiones de composición de Ray of Light]. Las letras de "The Power of Good-Bye" son impresionantes. Me encanta Madonna como artista y compositora ... Sé que creció escuchando a Joni Mitchell y al Motown, y para mí ella encarna lo mejor de ambos mundos. Es una cantautora maravillosa, además de ser excelente escritora de estribillos pop ... No recibe el crédito que se merece como compositora». —Rick Nowels hablando de las habilidades como compositora de Madonna.[302]​

Con Like a Prayer (1989), Madonna entró otra vez a una nueva fase musical. El álbum presenta canciones grabadas en vivo e incorporó diferentes géneros de música, como el dance, R&B y gospel.^[303]​ Madonna continuó componiendo baladas y canciones bailables en Erotica (1992) y Bedtime Stories (1994). Trató de actualizar su repertorio mediante la incorporación de samples, loops y hip hop en su música. Su voz se volvió mucho más profunda y más completa, evidente en temas como «Rain» y «Take a Bow».^[304]​ Durante el rodaje de Evita, Madonna tuvo que tomar lecciones de canto, que aumentaron su limitado rango vocal . De esta experiencia comentó, «estudié con un entrenador vocal para Evita y me di cuenta que había una gran parte de mi voz que no estaba usando. Antes, creía que tenía un alcance muy limitado y que sólo debía sacar el máximo provecho de ella».^[305]​ Su evolución musical continuó con Ray of Light; la canción «Frozen» muestra su destreza vocal plenamente formada y varias alusiones a la música clásica. Su voz fue limitada y cantó las canciones de Ray of Light sin vibratos. Sin embargo, las respiraciones en las canciones se hicieron más prominentes.^[299]​ Con el nuevo milenio, Madonna interpretó su nuevo álbum, Music con su voz normal en un rango medio, a veces obteniendo un registro superior para los estribillos. También se observó un cambio en el contenido de las pistas, la mayoría de estas eran simples canciones de amor, pero con un tono subyacente de melancolía. Como explicó, «canto acerca de romper una imagen que se tiene de alguien, pero también canto acerca de amar a alguien a quien no desearías amar. Porque sabes que estás condenado, pero no puedes detenerte».^[306]​ Dicha melancolía continuó en su siguiente producción, American Life, que estaba impregnado de beats de ritmo techno, notas de teclado más fluidas, coros acústicos y un rap en el tema homónimo. Las canciones de rock no convencionales fueron entremezcladas con letras dramáticas sobre patriotismo y composición, incluyendo la aparición de un coro de gospel en «Nothing Fails».^[307]​ Musicalmente, las cosas cambiaron con Confessions on a Dance Floor, que llevó a Madonna de vuelta a las canciones de dance puro, ritmos de discoteca y música retro, pero las letras continuaron abarcando metáforas paradójicas e incluían referencias a sus obras anteriores.^[308]​ En su álbum de 2008, Hard Candy, la cantante mezcló R&B y hip hop con melodías de dance. El disco también tenía canciones en cuyas letras se habla sobre los movimientos por la paz y algunas que tienen carácter autobiográfico. El canto en un registro superior continuó, así como el empleo de la técnica de double tracking.^[309]​ Fouz-Hernández comentó que «a lo largo de su carrera, la manipulación de Madonna de su voz nos muestra que, al negarse a definirse en una sola forma, se abrió un espacio para nuevos tipos de análisis musical».^[299]​ Según Taraborrelli, «seguramente, el momento más decisivo en la infancia de Madonna, que tuvo mayor influencia en la personalidad de la mujer que ahora es, fue la trágica y prematura muerte de su querida madre».^[26]​ La psiquiatra Keith Ablow sugiere que la muerte de su madre tuvo un impacto enorme sobre la niña, en un momento cuando todavía se estaba formando su personalidad. Según Ablow, cuanto más joven un niño sufra de una pérdida grave, la influencia que tenga este acontecimiento será más profunda y la duración del impacto también será más larga. Concluye que «algunas personas nunca llegan a resignar esa pérdida a una edad tan temprana, Madonna no es diferente a ellos».^[26]​ Por el contrario, la autora Lucy O'Brien considera que el impacto de la violación que sufrió es, en realidad, el factor de motivación detrás de todo lo que ha hecho Madonna, más importante aún que la muerte de su madre: «no es tanto el dolor de la muerte de su madre lo que la impulsa, sino la sensación de abandono y falta de protección. Encontró su peor escenario posible, al ser víctima de la violencia masculina y posteriormente utilizó esas experiencias de lleno en su trabajo, revirtiendo el problema en cada oportunidad».^[310]​ Cuando creció, Madonna y sus hermanas se sentían tristes porque el recuerdo de su madre comenzó a desaparecer. Observaron fotos de ella y comenzaron a pensar que se parecía a la poeta Anne Sexton o a alguna actriz de Hollywood. Más tarde, esto aumentaría el interés de Madonna en la poesía, con Sylvia Plath como su escritora favorita.^[26]​ Madonna comentó: «a todos nos hirió en una u otra manera y, posteriormente, pasamos el resto de nuestras vidas, reaccionando y lidiando con ello y tratando de convertirlo en algo más. La angustia de perder a mi mamá me dejó con un cierto tipo de soledad y un anhelo increíble por tener algo. Si no tuviera ese vacío, no habría llegado tan lejos. Su muerte tuvo mucho que ver conmigo diciendo — después de superar mi tristeza — voy a ser muy fuerte si no puedo tener mi madre. Voy a cuidar de mí misma».^[26]​ Taraborrelli consideró que con el tiempo, sin duda debido a la devastación que sentía, Madonna nunca se permitiría a sí misma, o incluso a su hija, sentirse tan abandonada como ella se sintió cuando murió su madre. «Su muerte le enseñó una lección valiosa, que tendría que seguir siendo fuerte por su cuenta, le teme a la debilidad — particularmente la suya — y quiere ser la reina de su propio castillo».^[26]​ En 1985, Madonna comentó que la primera canción que tuvo una fuerte impresión en ella fue «These Boots Are Made for Walkin'» de Nancy Sinatra; dijo que la canción resumía su actitud feminista de «tomar las riendas».^[311]​ Como una mujer joven, intentó ampliar su gusto en la literatura, el arte y la música y durante este tiempo se interesó en la música clásica. Señaló que su estilo favorito es el barroco y que amaba la música de Chopin y Mozart, porque le gustaba su «calidad femenina».^[312]​ Otras de sus influencias musicales incluyen a artistas como Karen Carpenter, Led Zeppelin, The Supremes y bailarines como Martha Graham y Rudolf Nureyev.^[313]​ La educación católica de Madonna y su relación con sus padres se reflejaron en el álbum Like a Prayer,^[75]​ el cual es considerado como una evocación del impacto que la religión tuvo en su carrera.^[314]​ El video para «Like a Prayer» contiene símbolos católicos, como los estigmas. Durante la gira The Virgin Tour, usaba un rosario con el que también rezó en el video musical de «La isla bonita».^[315]​ El video de «Open Your Heart» muestra a su jefe reprendiéndola en idioma italiano. En la gira Who's That Girl World Tour, dedicó la canción «Papa Don't Preach» al Papa.^[315]​^[316]​ Durante su infancia, Madonna se inspiró por varios actores: «amaba a Carole Lombard, a Judy Holliday y a Marilyn Monroe. Todos eran increíblemente divertidos... y me vi a mi misma en ellos... mi feminidad, mi conciencia y mi inocencia».^[311]​ Su video de «Material Girl» recreó el look de Monroe en la canción «Diamonds Are a Girl's Best Friend», de la película Los caballeros las prefieren rubias. Estudió las comedias de la década de 1930, particularmente las de Lombard, en preparación para la película ¿Quién es esa chica?. El video de «Express Yourself» (1989) fue inspirado por la película de Fritz Lang Metrópolis (1927). El video de «Vogue» recreó el estilo de las fotografías del glamur de Hollywood, en particular las de Horst P. Horst, imitando las poses de Marlene Dietrich, Carole Lombard y Rita Hayworth, mientras que en la letra del tema hace referencia a muchas de las estrellas que la habían inspirado, incluyendo Bette Davis, a quien describió como uno de sus ídolos.^[93]​^[317]​ Otras de sus influencias provinieron desde el mundo del arte, en particular a través de las obras de la artista Frida Kahlo.^[318]​ El videoclip de «Bedtime Story» presenta imágenes inspiradas por las pinturas de Kahlo y Remedios Varo.^[319]​ Su video para «Hollywood» es un homenaje a la obra del fotógrafo Guy Bourdin.^[320]​ El uso de imágenes sadomasoquistas en las películas de Andy Warhol se reflejan en los videos musicales de «Erotica» y «Deeper and Deeper».^[321]​ Gran parte de la carrera de Madonna en el cine ha sido recibida negativamente por los críticos. Stephanie Zacharek, crítica de la revista Time, declaró que, «[Madonna] no se ve natural ni cómoda cuando actúa, y es algo difícil de ver, porque claramente se ve que hace lo mejor que puede».^[4]​ De acuerdo a su biógrafo Andrew Morton, «Madonna pone una cara valiente ante la crítica, pero en el fondo está profundamente herida».^[4]​ Después de la película de 2002, Swept Away, Madonna juró que nunca actuará en otra película, con la esperanza de que su repertorio como actriz nunca se discuta nuevamente.^[4]​ Madonna practica el rito de la Cábala, y en 2004 adoptó el nombre de Esther, que en persa significa «estrella».^[322]​ La cantante ha donado millones de dólares para las escuelas de Nueva York y Londres.^[322]​^[323]​ A su vez, se enfrentó a la oposición de los rabinos que pensaron que la adopción de Madonna a la Cábala era un sacrilegio y un caso de diletantismo. Madonna defendió sus estudios, diciendo que «sería menos controversial si me uniera al partido nazi», y que su participación en la Cábala «no lastimaba a nadie».^[324]​ La influencia de la Cábala se percibió en la música de Madonna, especialmente en álbumes como Ray of Light y Music. Según Bill Friskics-Warren, «la disposición etérea de la música en estos álbumes y su filosofía, llena de referencias a gurús y la conexión del destino y el karma, al principio puede parecer letras de canciones new age, pero un análisis profundo da un sentido de conexión que abarca la iluminación espiritual y el éxtasis carnal, dando el efecto de borrar la distinción entre los dos, y es el efecto de su meditación cabalística en unión y trascendencia».^[322]​ Durante la gira Re-Invention World Tour, Madonna y sus bailarines llevaban camisetas que decían «Los cabalistas lo hacen mejor».^[322]​

Videos musicales y presentaciones

En The Madonna Companion, sus biógrafos Allen Metz y Carol Benson señalaron que más que cualquier otro artista pop reciente, Madonna había utilizado MTV y sus videos musicales para establecer su popularidad y mejorar su trabajo musical.^[325]​ Según ellos, muchas de sus canciones están fuertemente vinculadas a las imágenes del video musical. La reacción de los medios de comunicación y del público hacia sus canciones más polémicas como «Papa Don't Preach», «Like a Prayer» o «Justify My Love», tenían que ver con los videos creados para promover el sencillo y el impacto que tuvieron, no únicamente por la canción.^[325]​ Morton sentía que «artísticamente, las composiciones de Madonna a menudo son eclipsadas por sus videos sorprendentes».^[326]​ Los primeros videos de Madonna reflejan su mezcla de estilos estadounidenses e hispanos combinados con un extravagante glamour,^[325]​ con lo cual fue capaz de transmitir su sentido de la moda vanguardista al público estadounidense.^[327]​ Las imágenes y la incorporación de la cultura hispana y el simbolismo católico continuaron con los videos de la época de True Blue.^[328]​ El autor Douglas Kellner señaló, «este tipo de 'multiculturalismo' y sus movimientos culturalmente transgresores resultaron ser una jugada exitosa para atraer a un público juvenil amplio y variado».^[329]​ El estilo español en sus videos se convirtió en una tendencia de moda de la época, en forma de boleros y faldas con capas, accesorios como rosarios y un crucifijo, como en el video de «La isla bonita».^[330]​^[331]​ Varios autores señalaron que con sus vídeos, Madonna fue capaz de revertir sutilmente la función habitual de los hombres como el sexo dominante.^[332]​ Este simbolismo fue probablemente el más predominante en el video musical de «Like a Prayer». El video incluye escenas de un coro de iglesia afroamericano, Madonna seduciendo a una estatua de un santo negro y cantando frente a una serie de cruces ardiendo. Esta mezcla de lo sagrado y lo profano alteró al Vaticano y resultó en la retirada comercial de Pepsi.^[333]​ Madonna ha recibido un récord de veinte MTV Video Music Awards, incluyendo el «Premio a la Vanguardia» en 1986 por su contribución al mundo del video musical.^[334]​ La aparición de Madonna se produjo durante la llegada de MTV y, según Chris Nelson de The New York Times, «con sus videos con sincronía de labios, marcó el comienzo de una era en la que el aficionado a la música promedio felizmente podría pasar horas al día, todos los días, viendo a las cantantes sólo mover la boca».^[335]​ La relación simbiótica entre el video musical y la sincronía de labios llevó a la iniciativa de trasladar el espectáculo y las imágenes de un video musical a un escenario en vivo. Nelson escribió: «artistas como Madonna y Janet Jackson establecieron nuevas normas de teatralidad, con conciertos que incluyen no sólo trajes elaborados y pirotecnia coordinada con alta precisión, sino también de un baile muy atlético. Estos efectos tuvieron un costo, la voz en vivo».^[335]​ Thor Christensen de The Dallas Morning News comentó que mientras que Madonna ganó una reputación de sincronía de labios durante su gira de 1990, Blond Ambition World Tour, posteriormente reorganizó sus actuaciones para «destacarse aún durante la partes más difíciles de una canción y [dejar] las rutinas de baile a sus bailarines que la acompañaban... en vez de intentar cantar y bailar al mismo tiempo».^[336]​ Para permitirse realizar una mayor cantidad de movimientos mientras cantaba, Madonna fue uno de los primeros artistas en utilizar micrófonos inalámbricos con el auricular fijado a las orejas o a la parte superior de la cabeza, y la cápsula en un pequeño brazo que se extiende hasta la boca. Debido a su uso prominente, el diseño de este micrófono llegó a ser conocido como el «micro Madonna».^[337]​^[338]​

Legado

La revista Rolling Stone la describió como un icono musical sin comparación y la artista femenina de pop más famosa que jamás haya vivido.^[339]​^[340]​ Madonna ha obtenido múltiples entradas en el Libro Guinness de los récords, destacando el título de la solista más exitosa y de mayores ventas de todos los tiempos.^[8]​ El 10 de marzo de 2008, Madonna fue incluida en el Salón de la Fama del Rock en su primer año de elegibilidad.^[191]​ La revista Billboard la clasificó como la solista más exitosa (y la segunda artista en general, detrás de The Beatles) en el «Billboard Hot 100 Top Artists».^[11]​ También ha obtenido muchos éxitos en las listas de popularidad más importantes alrededor del mundo, incluyendo 13 sencillos número uno en el Reino Unido, 11 en Australia y 23 en Canadá, más que cualquier otra solista.^[341]​^[342]​^[343]​ Madonna también apareció en el libro de las 100 mujeres más importantes del siglo XX, publicado por Ladies' Home Journal en 1998.^[344]​ En julio de 2003, se le clasificó en el puesto séptimo en la lista de los «200 íconos de la cultura pop de todos los tiempos» elaborada por VH1 y People.^[345]​ También se colocó en la cima de la lista de las «50 mujeres más importantes de la época del video» hecha por VH1.^[346]​ En 2006, se descubrió una nueva especie de oso de agua, Echiniscus madonnae, que fue nombrada así en su honor.^[347]​ Los zoólogos comentaron: «es un gran gusto dedicar esta especie a una de los artistas más importantes de nuestro tiempo, Madonna Louise Veronica Ritchie».^[348]​ En 2008, el tabloide británico The Sun la incluyó en el primer lugar de su lista «las 50 cantautoras que nunca serán olvidadas en la historia».^[14]​ En 2010, dados sus logros comerciales, Madonna fue incluida en la lista de élite de las «25 mujeres más poderosas del siglo pasado» por la revista Time, por ser una figura influyente en la música contemporánea.^[349]​ De manera general, diversos biógrafos, escritores, periodistas y demás medios de comunicación la han nombrado como la mujer más influyente y exitosa de la historia de la música pop.^[18]​^[19]​^[20]​^[15]​^[16]​^[17]​^[12]​^[13]​ A lo largo de su carrera, Madonna se ha reinventado repetidamente a través de una serie de distintas personalidades visuales y musicales, ganándose el apodo de la «Reina de la reinvención».^[350]​ Al hacerlo, «explota su sexualidad a la moda en un icono cultural y comercial que, durante más de una década, era la indiscutida Reina del Pop».^[351]​ Fouz-Hernández está de acuerdo en que estas reinvenciones son uno de sus principales logros culturales.^[352]​ Madonna se reinventó a sí misma trabajando con los futuros productores talentosos y artistas desconocidos, permaneciendo en el centro de la atención de los medios. Según Freya Jarman-Ivens, «al hacerlo, Madonna siempre ha puesto el ejemplo de cómo mantener tu carrera en la industria del entretenimiento».^[352]​ Esa reinvención fue considerada por los expertos como la herramienta principal para sobrevivir en la industria musical.^[353]​ Como Ian Youngs de BBC News comentó, «su capacidad de seguir las últimas tendencias de la moda y adaptar su estilo a menudo ha sido la razón por la cual se preserva su imagen».^[354]​ El uso por parte de Madonna de imágenes sexuales impactantes benefició su carrera y cambió la opinión pública sobre la sexualidad y el feminismo.^[352]​ The Times afirmó, «Madonna, le guste o no, inició una revolución entre las mujeres en la música... sus actitudes y opiniones sobre sexo, desnudos, estilo y sexualidad obligó al público a sentarse y tomar nota».^[355]​ Rodger Streitmatter, autor de Sex Sells! (2004), comentó que «desde el momento en que Madonna irrumpió en el radar de la nación a mediados de la década de 1980, hizo todo lo que pudo para impresionar al público, y sus esfuerzos fueron bien retribuidos».^[356]​ Shmuel Boteach, autor de Hating women (2005), consideró que Madonna era en gran parte responsable de borrar la línea entre la música y la pornografía. Dijo: «antes de Madonna, era posible que las mujeres más famosas por sus voces que por su escote emergieran como estrellas de la música. Pero en el universo post-Madonna, incluso artistas muy originales como Janet Jackson ahora sienten la presión por exponer sus cuerpos en la televisión nacional para vender discos».^[357]​^[14]​ Madonna ha influido en numerosos artistas a lo largo de su carrera. Mary Cruz, en su libro Madonna: A Biography, escribió: «su influencia en la música pop es innegable y de largo alcance. Los nuevos íconos pop desde Nelly Furtado a Shakira, Gwen Stefani, Christina Aguilera y Britney Spears le deben mucho a Madonna, una deuda de agradecimiento por la plantilla que ella forjó, que combina la atracción sexual y el poder femenino en su imagen, la música y las letras».^[358]​ Según Fouz-Hernández, las artistas pop como Spears, las Spice Girls, Destiny's Child, Jennifer Lopez, Kylie Minogue y Pink fueron como «las hijas de Madonna, en el sentido en que crecieron escuchando y admirando a Madonna y decidieron que querían ser como ella».^[359]​ De entre ellas, la influencia de Madonna fue más notable en Spears, a la que se ha llamado «su protegida».^[355]​ Otra de las artistas que ha recibido gran influencia de Madonna lo es la cantante de pop y R&B, Rihanna.^[360]​^[361]​ A Madonna también se le acredita la introducción de la música electrónica europea en la cultura pop estadounidense, y por el hecho de hacer despegar las carreras de productores europeos como Stuart Price y Mirwais Ahmadzaï.^[315]​ Conocida como «La Reina del Pop»,^[362]​ Madonna ha vendido más de 300 millones de discos en todo el mundo.^[363]​ La Recording Industry Association of America (RIAA) la considera la artista de rock con más ventas del siglo XX, y la segunda solista con más discos vendidos en los Estados Unidos (detrás de Barbra Streisand), con 64 millones de álbumes certificados vendidos.^[9]​^[364]​ Según la Federación Internacional de la Industria Fonográfica, a pesar de su alto récord de ventas, en 2001 Madonna era la artista que más perdía por la piratería.^[365]​ Madonna ha recibido elogios como un modelo a seguir por las mujeres empresarias en su industria, «para lograr el tipo de control financiero por el que las mujeres han luchado durante mucho tiempo dentro de la industria y generando más de 1,2 mil millones de dólares en ventas durante la primera década de su carrera».^[366]​ Después de su creación, Maverick Records se convirtió en un gran éxito comercial de sus esfuerzos, que fue inusual en ese momento para un sello discográfico creado por un artista.^[367]​ El periodista Robert Sandall dijo que mientras entrevistaba a Madonna, estaba claro que ser un «gran ícono cultural» era más importante para ella que la música pop, una carrera que describió como «un accidente». También vio un contraste entre su personalidad pública muy sexual y su actitud reservada y «paranoica» hacia sus propias finanzas; despidió a su propio hermano cuando se le acusó de cobrarle de más por el acondicionamiento de su mansión en Londres.^[368]​ El profesor Colin Barrow de la Cranfield School of Management describió a Madonna como «la empresaria más inteligente de Estados Unidos... que ha logrado conquistar los puestos más altos de su industria y permanecer allí por reinventarse constantemente». También resaltó la «planificación, disciplina personal y constante atención a los detalles» como modelos para todos los aspirantes a ser empresarios.^[369]​ Los académicos de la London Business School la llamaron una «empresaria dinámica»; identificaron su visión de éxito, su comprensión de la industria de la música, su capacidad para reconocer sus propios límites de rendimiento, su disposición a trabajar duro y su habilidad para adaptarse como la clave de su éxito comercial.^[370]​ Morton comentó que «Madonna es oportunista, manipuladora y despiadada, alguien que no se detendrá hasta obtener lo que quiere, y eso es algo que puedes ganar a costa de perder a las personas más cercanas a ti. Pero eso claramente no le importa».^[371]​ Taraborrelli consideró que esta crueldad fue visible durante el rodaje del comercial de Pepsi en 1989. «El hecho de que no quisiera sostener una lata de Pepsi en el comercial, fue la pista que los ejecutivos de Pepsi necesitaban para saber que Madonna la estrella del pop y Madonna la empresaria no iban a ser dirigidas por otra persona, ella haría todo a su manera, la única manera».^[372]​ Por el contrario, el reportero Michael McWilliams, comentó: «las quejas sobre Madonna –que es fría, codiciosa y sin talento– ocultan el fanatismo y la esencia de su arte, que es uno de los más cálidos, de los más humanos, de los más profundamente satisfactorios en toda la cultura pop».^[373]​

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